Essa recomendação faz parte do nosso projeto "Semana dos Clássicos", onde convidamos você a revisitar filmes que mudaram os rumos da narrativa cinematográfica e que merecem um olhar mais critico sem esquecer, claro, do que pode ter representado emocionalmente na nossa vida!
Talvez essa tenha sido a maior prova de como Steven Spielberg é genial - e resiliente! "Tubarão", lançado em 1975, é considerado um dos filmes mais influentes da história do cinema - especialmente pela forma criativa com que Spielberg, com todas as limitações de produção, soube criar uma atmosfera realmente tensa. Baseado no romance de Peter Benchley, "Jaws" (no original) não apenas redefiniu o status de blockbuster, como também consolidou um conceito pouco explorado até então, onde um thriller de suspense seria capaz de combinar uma forte presença de tensão psicológica, alguma ação e muito drama, criando uma narrativa envolvente que explora o medo do desconhecido a partir de uma relação primitiva com um predador invisível.
A trama é basicamente centrada em Amity Island, uma cidade turística fictícia cuja economia depende do verão e de suas praias. Quando um grande tubarão-branco começa a atacar e matar banhistas, o chefe de polícia local, Martin Brody (Roy Scheider), se junta ao oceanógrafo Matt Hooper (Richard Dreyfuss) e ao caçador de tubarões Quint (Robert Shaw) para tentar capturar a criatura. O filme explora a tensão crescente entre as necessidades econômicas da cidade, o medo dos turistas e a força incontrolável da natureza. Confira o trailer:
Acho que o que faz de "Tubarão" uma referência, é sua impecável construção de suspense. Spielberg utiliza o tubarão de maneira inteligente, fazendo com que a ameaça seja sentida muito antes de ser vista. Os conhecidos problemas técnicos com o modelo mecânico do tubarão durante a produção forçaram Spielberg a adotar uma abordagem mais sutil, usando a câmera subjetiva para sugerir a presença do predador sem mostrá-lo explicitamente. Essa decisão criativa acabou se tornando uma das maiores forças do filme. A invisibilidade do tubarão nas primeiras cenas aumenta a sensação de terror, permitindo que o medo do desconhecido se infiltre na mente da audiência como um gatilho de pânico! É aqui que a trilha sonora icônica de John Williams entra como elemento essencial para a construção dessa tensão. O tema de "Tubarão", com suas notas repetitivas e ameaçadoras, tornou-se um dos mais reconhecidos da história do cinema justamente por compor a sensação constante de iminente perigo, preparando o público para os momentos de ataque e reforçando a presença mítica do tubarão - Williams , inclusive, ganhou o Oscar de Melhor Trilha Sonora por esse trabalho.
Repare como Spielberg também demonstra um domínio impressionante do ritmo de sua narrativa. "Tubarão" começa com um mood agradável e leve de verão, antes de gradualmente mergulhar em um suspense quase insuportável. As cenas de ataque construídas por Spielberg são rápidas e chocantes, com o diretor intercalando momentos de terror no mar com diálogos cheios de angustia entre os personagens principais em terra. Veja, os protagonistas lutam não apenas contra o tubarão, mas também contra suas próprias inseguranças e diferenças - isso confere ao filme uma camada emocional que vai além de um simples filme de suspense. Roy Scheider oferece uma performance equilibrada e realista, retratando um homem comum que é forçado a enfrentar um perigo extraordinário. A luta de Brody com seu medo de água e sua responsabilidade como protetor da comunidade criam um arco de personagem realmente envolvente. Richard Dreyfuss, como o oceanógrafo Matt Hooper, traz um certo humor irônico para a narrativa, com seu personagem funcionando como um contraponto mais científico e racional ao caçador de tubarões Quint. E aqui cabe um comentário: o monólogo sobre o naufrágio do USS Indianapolis feito por Quinn é um dos momentos mais intensos e memoráveis do filme.
Os efeitos especiais de "Tubarão", embora datados, foram revolucionários para a época. O tubarão mecânico de certa forma consegue ser uma presença aterrorizante na tela - mas o mérito do realismo das cenas de ataque, combinado com o uso inovador da câmera em primeira pessoa, é mérito exclusivo de Spielberg e de seu fotografo Bill Butler (de "Rocky II"). Eles criaram um senso palpável de perigo, mas é importante dizer que o verdadeiro terror não vem apenas dessa criatura quase mitológica, mas também do pavor crescente em relação àquilo que não pode ser controlado ou compreendido totalmente - esse medo arquetípico do predador invisível, que espreita sob a superfície da água, esperando o momento certo para atacar fez muita gente ficar com medo de entrar até na piscina depois do filme!
Décadas após seu lançamento, "Tubarão" continua a aterrorizar e cativar audiências, por isso merece ser visto (ou revisto)!
Essa recomendação faz parte do nosso projeto "Semana dos Clássicos", onde convidamos você a revisitar filmes que mudaram os rumos da narrativa cinematográfica e que merecem um olhar mais critico sem esquecer, claro, do que pode ter representado emocionalmente na nossa vida!
Talvez essa tenha sido a maior prova de como Steven Spielberg é genial - e resiliente! "Tubarão", lançado em 1975, é considerado um dos filmes mais influentes da história do cinema - especialmente pela forma criativa com que Spielberg, com todas as limitações de produção, soube criar uma atmosfera realmente tensa. Baseado no romance de Peter Benchley, "Jaws" (no original) não apenas redefiniu o status de blockbuster, como também consolidou um conceito pouco explorado até então, onde um thriller de suspense seria capaz de combinar uma forte presença de tensão psicológica, alguma ação e muito drama, criando uma narrativa envolvente que explora o medo do desconhecido a partir de uma relação primitiva com um predador invisível.
A trama é basicamente centrada em Amity Island, uma cidade turística fictícia cuja economia depende do verão e de suas praias. Quando um grande tubarão-branco começa a atacar e matar banhistas, o chefe de polícia local, Martin Brody (Roy Scheider), se junta ao oceanógrafo Matt Hooper (Richard Dreyfuss) e ao caçador de tubarões Quint (Robert Shaw) para tentar capturar a criatura. O filme explora a tensão crescente entre as necessidades econômicas da cidade, o medo dos turistas e a força incontrolável da natureza. Confira o trailer:
Acho que o que faz de "Tubarão" uma referência, é sua impecável construção de suspense. Spielberg utiliza o tubarão de maneira inteligente, fazendo com que a ameaça seja sentida muito antes de ser vista. Os conhecidos problemas técnicos com o modelo mecânico do tubarão durante a produção forçaram Spielberg a adotar uma abordagem mais sutil, usando a câmera subjetiva para sugerir a presença do predador sem mostrá-lo explicitamente. Essa decisão criativa acabou se tornando uma das maiores forças do filme. A invisibilidade do tubarão nas primeiras cenas aumenta a sensação de terror, permitindo que o medo do desconhecido se infiltre na mente da audiência como um gatilho de pânico! É aqui que a trilha sonora icônica de John Williams entra como elemento essencial para a construção dessa tensão. O tema de "Tubarão", com suas notas repetitivas e ameaçadoras, tornou-se um dos mais reconhecidos da história do cinema justamente por compor a sensação constante de iminente perigo, preparando o público para os momentos de ataque e reforçando a presença mítica do tubarão - Williams , inclusive, ganhou o Oscar de Melhor Trilha Sonora por esse trabalho.
Repare como Spielberg também demonstra um domínio impressionante do ritmo de sua narrativa. "Tubarão" começa com um mood agradável e leve de verão, antes de gradualmente mergulhar em um suspense quase insuportável. As cenas de ataque construídas por Spielberg são rápidas e chocantes, com o diretor intercalando momentos de terror no mar com diálogos cheios de angustia entre os personagens principais em terra. Veja, os protagonistas lutam não apenas contra o tubarão, mas também contra suas próprias inseguranças e diferenças - isso confere ao filme uma camada emocional que vai além de um simples filme de suspense. Roy Scheider oferece uma performance equilibrada e realista, retratando um homem comum que é forçado a enfrentar um perigo extraordinário. A luta de Brody com seu medo de água e sua responsabilidade como protetor da comunidade criam um arco de personagem realmente envolvente. Richard Dreyfuss, como o oceanógrafo Matt Hooper, traz um certo humor irônico para a narrativa, com seu personagem funcionando como um contraponto mais científico e racional ao caçador de tubarões Quint. E aqui cabe um comentário: o monólogo sobre o naufrágio do USS Indianapolis feito por Quinn é um dos momentos mais intensos e memoráveis do filme.
Os efeitos especiais de "Tubarão", embora datados, foram revolucionários para a época. O tubarão mecânico de certa forma consegue ser uma presença aterrorizante na tela - mas o mérito do realismo das cenas de ataque, combinado com o uso inovador da câmera em primeira pessoa, é mérito exclusivo de Spielberg e de seu fotografo Bill Butler (de "Rocky II"). Eles criaram um senso palpável de perigo, mas é importante dizer que o verdadeiro terror não vem apenas dessa criatura quase mitológica, mas também do pavor crescente em relação àquilo que não pode ser controlado ou compreendido totalmente - esse medo arquetípico do predador invisível, que espreita sob a superfície da água, esperando o momento certo para atacar fez muita gente ficar com medo de entrar até na piscina depois do filme!
Décadas após seu lançamento, "Tubarão" continua a aterrorizar e cativar audiências, por isso merece ser visto (ou revisto)!
Após ser diagnosticado com poliomelite, o jovem Robin Cavendish (Andrew Garfield) fica confinado a uma cama. Contrariando a opinião dos médicos, ele e sua esposa decidem viver uma história de amor e aproveitar cada momento como se fosse o último.
O roteiro é inteligente em não perder tempo explicando com o que o tempo vai mostrar naturalmente: Robin se apaixona por Diana (Claire Foy) e rapidamente o casal feliz já espera seu primeiro filho. Robin gosta muito de viajar e em uma dessas viagens, ele começa apresentar os primeiros sintomas da doença. O diagnóstico dos médicos é simples: ele viverá durante algum tempo em uma cama de hospital e depois morrerá. Não existiam tratamentos para a poliomelite na época, remédios ou meios de fazê-lo ter uma vida melhor. Enquanto Diana assume uma postura mais inconformada, já Robin quer morrer de uma vez. Mas e o amor? O filho recém nascido? É aí que o filme fortalece o conflito em busca de repostas e transforma o desejo de viver de Robin!
"Uma Razão Para Viver" nem de longe pode ser comparado ao "Escafandro e a Borboleta" - ambos com a mesma temática, mas com conceitos narrativos completamente diferentes. É até triste o que vou escrever, mas fico imaginando o Andrew Garfield recebendo esse roteiro e pensando: vou ganhar todos os prêmios possíveis com esse personagem e de fato, existia esse perspectiva... o único problema é que colocaram o ator Andy Serkis para dirigir e aí entrou água no chopp!
O que vemos no filme é um Diretor de Fotografia extremamente competente, no caso o Robert Richardson (10 vezes indicado ao Oscar), tentando salvar a pele do Diretor que não consegue encontrar a profundidade e a sensibilidade que o filme merecia - um desperdício! Alias, belíssimas imagens Richardson conseguiu enquadrar - sem dúvida o ponto mais alto do filme!
O fato é que "Breathe" (título original) poderia ser muito melhor do que realmente é. Esse filme na mão de um diretor como Cianfrance (Blue Valentine) , Andrew Garfield estaria agradecendo até hoje!
Vale como entretenimento!
Após ser diagnosticado com poliomelite, o jovem Robin Cavendish (Andrew Garfield) fica confinado a uma cama. Contrariando a opinião dos médicos, ele e sua esposa decidem viver uma história de amor e aproveitar cada momento como se fosse o último.
O roteiro é inteligente em não perder tempo explicando com o que o tempo vai mostrar naturalmente: Robin se apaixona por Diana (Claire Foy) e rapidamente o casal feliz já espera seu primeiro filho. Robin gosta muito de viajar e em uma dessas viagens, ele começa apresentar os primeiros sintomas da doença. O diagnóstico dos médicos é simples: ele viverá durante algum tempo em uma cama de hospital e depois morrerá. Não existiam tratamentos para a poliomelite na época, remédios ou meios de fazê-lo ter uma vida melhor. Enquanto Diana assume uma postura mais inconformada, já Robin quer morrer de uma vez. Mas e o amor? O filho recém nascido? É aí que o filme fortalece o conflito em busca de repostas e transforma o desejo de viver de Robin!
"Uma Razão Para Viver" nem de longe pode ser comparado ao "Escafandro e a Borboleta" - ambos com a mesma temática, mas com conceitos narrativos completamente diferentes. É até triste o que vou escrever, mas fico imaginando o Andrew Garfield recebendo esse roteiro e pensando: vou ganhar todos os prêmios possíveis com esse personagem e de fato, existia esse perspectiva... o único problema é que colocaram o ator Andy Serkis para dirigir e aí entrou água no chopp!
O que vemos no filme é um Diretor de Fotografia extremamente competente, no caso o Robert Richardson (10 vezes indicado ao Oscar), tentando salvar a pele do Diretor que não consegue encontrar a profundidade e a sensibilidade que o filme merecia - um desperdício! Alias, belíssimas imagens Richardson conseguiu enquadrar - sem dúvida o ponto mais alto do filme!
O fato é que "Breathe" (título original) poderia ser muito melhor do que realmente é. Esse filme na mão de um diretor como Cianfrance (Blue Valentine) , Andrew Garfield estaria agradecendo até hoje!
Vale como entretenimento!
Se você assiste um filme como "King Richard" é possível presumir que todo esforço, resiliência, dedicação, talento e renúncia, um dia, será recompensado, certo? Se você respondeu "sim", sua percepção, de fato, não está errada, porém a discussão levantada nesse primeiro de cinco volumes da série documental da Netflix com o selo "Untold", traz para os holofotes uma outra pergunta: "a que preço?"
"Untold: Federer x Fish", discute a jornada de ascensão dos tenistas Andy Roddick e, especialmente, de Mardy Fish, para continuarem a tradição vencedora no tênis masculino americano em meio a muita pressão externa e até pessoal, focando nos desafios que enfrentaram dentro e fora das quadras, além de expor todo problema de saúde mental que Fish sofreu pouco antes de sua aposentadoria. Confira o trailer (em inglês):
Antes de mais nada, acho que vale uma contextualização sobre o projeto: dos criadores Chapman e Maclain Way do premiado "Wild Wild Country", o selo “Untold” se propõe a trazer novos olhares sobre histórias épicas do mundo dos esportes - do tênis ao boxe, passando pelo basquete e até pelo futebol, os volumes surpreendem pela impecável qualidade técnica e artística, além de uma narrativa envolvente, repleta de curiosidades e histórias surpreendentes.
Um dos grandes méritos de "Federer x Fish", mesmo que de Roger Federer não tenhamos praticamente nada, está em conseguir mostrar em pouco mais de uma hora, os momentos mais importantes da carreira de Mardy Fish, incluindo o momento em que o atleta resolve deixar sua posição de tenista mediano e se dedicar ferozmente para estar entre os melhores do mundo para disputar as finais da ATP em Londres - e a jornada é empolgante, já que Fish saiu da posição 123 para sétimo do mundo. Porém, se chegar ao topo exige muito, se manter exige muito mais, foi aí que o americano passou a sofrer com frequentes taquicardias provocadas por profundas crises de ansiedade e ataques de pânico.
Semelhante ao filme que deu o Oscar de Melhor Ator para Will Smith e que contou a saga de Serena Williams, aqui também vemos como um garoto criado para ser atleta e ensinado a não demonstrar fraquezas, sofre com as consequências dessa orientação e do peso de precisar ser um tenista vencedor - e o próprio Fish considera que sua carreira não foi um sucesso, o que é mais impactante ainda! Os sinceros depoimentos de Andy Roddick, que sempre esteve ligado direta (e indiretamente) à carreira e a vida de Fish, desde os tempos em que moravam e treinavam juntos em Tampa até o momento em que Roddick perde a posição de melhor americano do ranking mundial, também são simplesmente sensacionais - os relatos são honestos, humanos, desprovidos de vaidade. Impressiona e faz total sentido para a narrativa ressaltar como a carreira de duas "promessas" se misturaram.
Em "Untold: Federer x Fish" você vai encontrar elementos de outros quatro documentários igualmente imperdíveis: "Naomi Osaka: Estrela do Tênis" , "Losers", "Playbook" e "Na Trilha do Sucesso". Dito isso, e com todas essas referências para validar a recomendação, aproveito para reforçar que embora "Federer x Fish" tenha o tênis como condutor narrativo, os pontos levantados e discutidos sobre a carreira de Fish vão muito além do esporte e pode ter certeza, vão te fazer refletir sobre o que é o sucesso e o que te torna um vencedor, e possivelmente, isso te remeta a pergunta que fiz no inicio desse review: "a que preço?"
Vale seu play!
Se você assiste um filme como "King Richard" é possível presumir que todo esforço, resiliência, dedicação, talento e renúncia, um dia, será recompensado, certo? Se você respondeu "sim", sua percepção, de fato, não está errada, porém a discussão levantada nesse primeiro de cinco volumes da série documental da Netflix com o selo "Untold", traz para os holofotes uma outra pergunta: "a que preço?"
"Untold: Federer x Fish", discute a jornada de ascensão dos tenistas Andy Roddick e, especialmente, de Mardy Fish, para continuarem a tradição vencedora no tênis masculino americano em meio a muita pressão externa e até pessoal, focando nos desafios que enfrentaram dentro e fora das quadras, além de expor todo problema de saúde mental que Fish sofreu pouco antes de sua aposentadoria. Confira o trailer (em inglês):
Antes de mais nada, acho que vale uma contextualização sobre o projeto: dos criadores Chapman e Maclain Way do premiado "Wild Wild Country", o selo “Untold” se propõe a trazer novos olhares sobre histórias épicas do mundo dos esportes - do tênis ao boxe, passando pelo basquete e até pelo futebol, os volumes surpreendem pela impecável qualidade técnica e artística, além de uma narrativa envolvente, repleta de curiosidades e histórias surpreendentes.
Um dos grandes méritos de "Federer x Fish", mesmo que de Roger Federer não tenhamos praticamente nada, está em conseguir mostrar em pouco mais de uma hora, os momentos mais importantes da carreira de Mardy Fish, incluindo o momento em que o atleta resolve deixar sua posição de tenista mediano e se dedicar ferozmente para estar entre os melhores do mundo para disputar as finais da ATP em Londres - e a jornada é empolgante, já que Fish saiu da posição 123 para sétimo do mundo. Porém, se chegar ao topo exige muito, se manter exige muito mais, foi aí que o americano passou a sofrer com frequentes taquicardias provocadas por profundas crises de ansiedade e ataques de pânico.
Semelhante ao filme que deu o Oscar de Melhor Ator para Will Smith e que contou a saga de Serena Williams, aqui também vemos como um garoto criado para ser atleta e ensinado a não demonstrar fraquezas, sofre com as consequências dessa orientação e do peso de precisar ser um tenista vencedor - e o próprio Fish considera que sua carreira não foi um sucesso, o que é mais impactante ainda! Os sinceros depoimentos de Andy Roddick, que sempre esteve ligado direta (e indiretamente) à carreira e a vida de Fish, desde os tempos em que moravam e treinavam juntos em Tampa até o momento em que Roddick perde a posição de melhor americano do ranking mundial, também são simplesmente sensacionais - os relatos são honestos, humanos, desprovidos de vaidade. Impressiona e faz total sentido para a narrativa ressaltar como a carreira de duas "promessas" se misturaram.
Em "Untold: Federer x Fish" você vai encontrar elementos de outros quatro documentários igualmente imperdíveis: "Naomi Osaka: Estrela do Tênis" , "Losers", "Playbook" e "Na Trilha do Sucesso". Dito isso, e com todas essas referências para validar a recomendação, aproveito para reforçar que embora "Federer x Fish" tenha o tênis como condutor narrativo, os pontos levantados e discutidos sobre a carreira de Fish vão muito além do esporte e pode ter certeza, vão te fazer refletir sobre o que é o sucesso e o que te torna um vencedor, e possivelmente, isso te remeta a pergunta que fiz no inicio desse review: "a que preço?"
Vale seu play!
"Val" é um documentário sensacional, mas duro - pela coragem, pela humanidade e pela desconstrução de um símbolo de sucesso, fama e dinheiro tão particular dos astros de Hollywood nos anos 80 e 90 que trouxeram para os holofotes celebridades como Tom Cruise, Kevin Bacon e até Sean Penn. Essa produção original da A24 e distribuído pela Amazon, não suaviza em nenhum momento a jornada pessoal e profissional de Val Kilmer, mesmo quando rotulado de coadjuvante de luxo.
Val Kilmer, um dos atores mais inconstantes de Hollywood, vem documentando sua vida e arte em milhares de gravações: de filmes caseiros com os irmãos, a momentos vividos enquanto interpretava papeis icônicos em filmes de sucesso como "Top Gun" e "Batman". Este documentário franco e original revela uma vida pautada por extremos, e um olhar cheio de emoção sobre o que significa ser artista. Confira o trailer (em inglês):
Dirigido pela dupla de estreantes Ting Poo e Leo Scott, o documentário faz um passeio pela história do ator com o claro propósito de desconstruir a celebridade e humanizar a jornada - é um verdadeiro mergulho na experiência de entender quem é Val Kilmer. O tema central (e seu protagonista) pode até soar desinteressante para muitos, mas acredite: talvez seja um dos recortes mais sinceros que assisti recentemente sobre o outro lado de ser uma celebridade. E aqui não dá para deixar de citar um documentário que vai muito nessa linha e que também vale sua atenção: "Showbiz Kids"da HBO Max.
A escolha por uma narrativa não-linear dá um ritmo muito interessante para o documentário, criando uma espécie de contraposição entre imagens de um Val Kilmer insatisfeito e ansioso em seu auge como ator promissor, com cenas dele completamente fragilizado, graças ao efeito devastador das cirurgias e sessões de radioterapia e quimioterapia que salvaram sua vida quando ele precisou cancelar a turnê de sua peça teatral devido a um câncer na garganta, em 2017. É preciso dizer que essa dicotomia é muito impressionante - observar sua dificuldade ao lidar com o aparelho de traqueostomia instalado em seu pescoço, impacta.
Por outro lado, "Val" está cheio de curiosidades muito além dos bastidores de Hollywood - do desejo de se tornar ator, passando pela fase de estudos até as primeiras oportunidades, o documentário, de fato, não romantiza em nada a jornada de um aspirante ao sucesso. São inúmeras audições, decepções e intrigas. Mas também conquistas e reconhecimentos - os comentários dele sobre sua escolha para substituir Michael Keaton em "Batman" e sua dificuldade em atuar com o traje do herói, além dos problemas de relação com o diretor John Frankenheimer no set de "A Ilha do Dr. Moreau" onde contracenaria com seu ídolo Marlon Brando, são fascinantes.
"Val" é um documentário forte, melancólico e, sobretudo, de entendimento da vida e da obra do ator de 61 anos que teve momentos memoráveis, mas que também foi marcada pela irregularidade. De um jovem que trazia consigo um ideal romântico sobre a arte da atuação, mas que sucumbiu aos desejos comerciais dos Estúdios em uma época onde ser "Iceman" era mais valorizado do que ser "Hamlet".
Vale muito a pena!
"Val" é um documentário sensacional, mas duro - pela coragem, pela humanidade e pela desconstrução de um símbolo de sucesso, fama e dinheiro tão particular dos astros de Hollywood nos anos 80 e 90 que trouxeram para os holofotes celebridades como Tom Cruise, Kevin Bacon e até Sean Penn. Essa produção original da A24 e distribuído pela Amazon, não suaviza em nenhum momento a jornada pessoal e profissional de Val Kilmer, mesmo quando rotulado de coadjuvante de luxo.
Val Kilmer, um dos atores mais inconstantes de Hollywood, vem documentando sua vida e arte em milhares de gravações: de filmes caseiros com os irmãos, a momentos vividos enquanto interpretava papeis icônicos em filmes de sucesso como "Top Gun" e "Batman". Este documentário franco e original revela uma vida pautada por extremos, e um olhar cheio de emoção sobre o que significa ser artista. Confira o trailer (em inglês):
Dirigido pela dupla de estreantes Ting Poo e Leo Scott, o documentário faz um passeio pela história do ator com o claro propósito de desconstruir a celebridade e humanizar a jornada - é um verdadeiro mergulho na experiência de entender quem é Val Kilmer. O tema central (e seu protagonista) pode até soar desinteressante para muitos, mas acredite: talvez seja um dos recortes mais sinceros que assisti recentemente sobre o outro lado de ser uma celebridade. E aqui não dá para deixar de citar um documentário que vai muito nessa linha e que também vale sua atenção: "Showbiz Kids"da HBO Max.
A escolha por uma narrativa não-linear dá um ritmo muito interessante para o documentário, criando uma espécie de contraposição entre imagens de um Val Kilmer insatisfeito e ansioso em seu auge como ator promissor, com cenas dele completamente fragilizado, graças ao efeito devastador das cirurgias e sessões de radioterapia e quimioterapia que salvaram sua vida quando ele precisou cancelar a turnê de sua peça teatral devido a um câncer na garganta, em 2017. É preciso dizer que essa dicotomia é muito impressionante - observar sua dificuldade ao lidar com o aparelho de traqueostomia instalado em seu pescoço, impacta.
Por outro lado, "Val" está cheio de curiosidades muito além dos bastidores de Hollywood - do desejo de se tornar ator, passando pela fase de estudos até as primeiras oportunidades, o documentário, de fato, não romantiza em nada a jornada de um aspirante ao sucesso. São inúmeras audições, decepções e intrigas. Mas também conquistas e reconhecimentos - os comentários dele sobre sua escolha para substituir Michael Keaton em "Batman" e sua dificuldade em atuar com o traje do herói, além dos problemas de relação com o diretor John Frankenheimer no set de "A Ilha do Dr. Moreau" onde contracenaria com seu ídolo Marlon Brando, são fascinantes.
"Val" é um documentário forte, melancólico e, sobretudo, de entendimento da vida e da obra do ator de 61 anos que teve momentos memoráveis, mas que também foi marcada pela irregularidade. De um jovem que trazia consigo um ideal romântico sobre a arte da atuação, mas que sucumbiu aos desejos comerciais dos Estúdios em uma época onde ser "Iceman" era mais valorizado do que ser "Hamlet".
Vale muito a pena!
Você vai se surpreender - principalmente se você gosta de filmes angustiantes, baseado em fatos reais, como "127 Horas", por exemplo. Aliás, "Vidas à Deriva" é sim mais "um filme de ator" e admito: fiquei muito impressionado com a performance de Shailene Woodley (de "Big Little Lies") - praticamente sozinha, como James Franco (diga-se de passagem), ela é capaz de nos conectar com aquele pesadelo de uma forma muito particular, homeopática até, se aproveitando muito bem do "tempo de tela" para potencializar o valor do silêncio, da solidão, da reflexão e da angustia, que nos provoca, nos tira da zona de conforto e, finalmente, nos emociona!
Apaixonados, os noivos Tami Oldham (Shailene Woodley) e Richard Sharp (Sam Claflin) velejam em mar aberto quando são atingidos por uma terrível tempestade. Passada a tormenta, ela se vê completamente perdida na embarcação em ruínas e tenta encontrar uma maneira de salvar a própria vida e a do parceiro bastante machucado. Confira o trailer:
Dirigido pelo talentoso cineasta islandês Baltasar Kormákur (de "A Fera") e escrito pelo trio Aaron Kandell, Jordan Kandell (ambos de "Moana") e David Branson Smith (de "UnReal"), "Vidas à Deriva" funciona basicamente como dois filmes em um - o primeiro é pautado no relacionamento de Oldham e Sharp; e o segundo na luta pela sobrevivência durante a deriva. Naturalmente, contada a partir de flashbacks, a versão romântica da história, de fato, não soa como das mais atraentes - tudo acontece tão rápido que mesmo com cenas belíssimas, muito bem fotografadas pelo craque Robert Richardson (vencedor de 3 Oscars, o último por "Hugo"), fica difícil se envolver ou se identificar com aquela dinâmica entre os personagens (soa adolescente demais). Já o lado mais dramático do filme, esse sim funciona perfeitamente, algo como "Mar Aberto" - e aqui cabe um comentário: durante esse plot, não existe muita ação ou cortes mais acelerados para criar tensão; a própria situação já nos provoca inúmeras sensações que acabam colocando nossa experiência em outro patamar. Funciona e bem!
É claro que a escolha conceitual de misturar esses dois plots tão diferentes em uma montagem que vai e volta na linha temporal sem deixar muito espaço para nos localizarmos ou nos conectarmos com os personagens, cria um fluxo narrativo frágil, mas tambémnão deixa de ser interessante, só que prejudica uma imersão mais profunda e em determinadas passagens faz falta essa relação de empatia - principalmente no primeiro e segundo atos. Sinceramente isso não me atrapalhou, pois eu achei que os saltos aconteceram de forma bem orgânica e consciente - lembra um pouco "Lost" nesse sentido; mas imagino que isso pode incomodar parte da audiência.
A jornada contada pelos olhos de Tami contém desespero (reparem na cena em que ela nota um navio cargueiro vindo ao seu encontro) e também alívio (igualmente ótima a cena em que a ela comemora a chegada da chuva, nua, sobre a proa do barco), e é essa dicotomia que dá o tom de "Vidas à Deriva" - essa complexidade da personagem X o drama que ela esta vivendo, faz valer a jornada da mesma forma que nos faz esquecer o lado "love is in the air" do roteiro; porém, é inegável que o ponto de virada do terceiro ato e o que se segue, ajuda demais na conclusão emocionante e (aí sim) coerente dessa história de amor em meio ao caos!
Vale muito o seu play!
Você vai se surpreender - principalmente se você gosta de filmes angustiantes, baseado em fatos reais, como "127 Horas", por exemplo. Aliás, "Vidas à Deriva" é sim mais "um filme de ator" e admito: fiquei muito impressionado com a performance de Shailene Woodley (de "Big Little Lies") - praticamente sozinha, como James Franco (diga-se de passagem), ela é capaz de nos conectar com aquele pesadelo de uma forma muito particular, homeopática até, se aproveitando muito bem do "tempo de tela" para potencializar o valor do silêncio, da solidão, da reflexão e da angustia, que nos provoca, nos tira da zona de conforto e, finalmente, nos emociona!
Apaixonados, os noivos Tami Oldham (Shailene Woodley) e Richard Sharp (Sam Claflin) velejam em mar aberto quando são atingidos por uma terrível tempestade. Passada a tormenta, ela se vê completamente perdida na embarcação em ruínas e tenta encontrar uma maneira de salvar a própria vida e a do parceiro bastante machucado. Confira o trailer:
Dirigido pelo talentoso cineasta islandês Baltasar Kormákur (de "A Fera") e escrito pelo trio Aaron Kandell, Jordan Kandell (ambos de "Moana") e David Branson Smith (de "UnReal"), "Vidas à Deriva" funciona basicamente como dois filmes em um - o primeiro é pautado no relacionamento de Oldham e Sharp; e o segundo na luta pela sobrevivência durante a deriva. Naturalmente, contada a partir de flashbacks, a versão romântica da história, de fato, não soa como das mais atraentes - tudo acontece tão rápido que mesmo com cenas belíssimas, muito bem fotografadas pelo craque Robert Richardson (vencedor de 3 Oscars, o último por "Hugo"), fica difícil se envolver ou se identificar com aquela dinâmica entre os personagens (soa adolescente demais). Já o lado mais dramático do filme, esse sim funciona perfeitamente, algo como "Mar Aberto" - e aqui cabe um comentário: durante esse plot, não existe muita ação ou cortes mais acelerados para criar tensão; a própria situação já nos provoca inúmeras sensações que acabam colocando nossa experiência em outro patamar. Funciona e bem!
É claro que a escolha conceitual de misturar esses dois plots tão diferentes em uma montagem que vai e volta na linha temporal sem deixar muito espaço para nos localizarmos ou nos conectarmos com os personagens, cria um fluxo narrativo frágil, mas tambémnão deixa de ser interessante, só que prejudica uma imersão mais profunda e em determinadas passagens faz falta essa relação de empatia - principalmente no primeiro e segundo atos. Sinceramente isso não me atrapalhou, pois eu achei que os saltos aconteceram de forma bem orgânica e consciente - lembra um pouco "Lost" nesse sentido; mas imagino que isso pode incomodar parte da audiência.
A jornada contada pelos olhos de Tami contém desespero (reparem na cena em que ela nota um navio cargueiro vindo ao seu encontro) e também alívio (igualmente ótima a cena em que a ela comemora a chegada da chuva, nua, sobre a proa do barco), e é essa dicotomia que dá o tom de "Vidas à Deriva" - essa complexidade da personagem X o drama que ela esta vivendo, faz valer a jornada da mesma forma que nos faz esquecer o lado "love is in the air" do roteiro; porém, é inegável que o ponto de virada do terceiro ato e o que se segue, ajuda demais na conclusão emocionante e (aí sim) coerente dessa história de amor em meio ao caos!
Vale muito o seu play!
Assistir o documentário produzido pelo Leonardo DiCaprio, "Vulcão Whakaari" (que no Brasil ganhou o subtítulo "Resgate na Nova Zelândia"), definitivamente não é uma jornada das mais tranquilas. Muito mais do que contar as histórias de quem esteve no centro da tragédia, essa produção da Netflix tem o cuidado de contextualizar as relações humanas, conectar os sentimentos de uma forma bastante sensível e, claro, construir uma linha narrativa que nos provoque uma experiência das mais marcantes como obra audiovisual - de fato, os depoimentos de quem sobreviveu e de quem participou do resgate nos tocam a alma!
Em 2019, a erupção do Vulcão Whakaari (conhecido como White Island) na Nova Zelândia colocou a vida de cerca de 50 turistas em risco quando, inexplicavelmente, entrou em erupção após 3 anos de silêncio. Com filmagens detalhadas e relatos que repassam cada minuto da tragédia, os sobreviventes relembram o pesadelo que viveram naquele dia de dezembro. Confira o trailer (em inglês):
Diferente dos documentários que cobriram os ataques em 11 de setembro como "11/9 - A Vida sob Ataque", "The Volcano: Rescue from Whakaari" (no original) não te conquista logo de cara pela repercussão do evento, sua densidade como trama é gradativa e exige um pouco de paciência. Isso não é um problema, mas sim uma solução conceitual que justifica a forma como o clímax vai sendo construído - é inegável que o distanciamento entre os fatos que culminam na tragédia e quem assiste o filme (especialmente aqui no Brasil) nos deixam em uma espécie de "estado de espera" até que algumas informações (e imagens) vão surgindo e, aí sim, nos impactando de uma forma avassaladora.
A diretora Rory Kennedy (indicada ao Oscar em 2015 por "Last Days in Vietnam" e responsável pelo indigesto "Queda Livre: A Tragédia do Caso Boeing") é craque em estabelecer o tamanho do problema de acordo com os testemunhos de quem sentiu a dor na pele. Kennedy vai se apropriando dos relatos para identificar alguns gatilhos emocionais que geram conexões imediatas, que nos prendem aos dramas pessoais e que ressignificam nossa posição de observador - um vulcão entrando em erupção parece não ter o mesmo valor que um avião batendo em um prédio no meio de Nova York até sabermos que o vapor desprendido por ele chega a 200 graus ou até vermos um helicóptero que ali estava, com suas hélices completamente derretidas após o fenômeno - ao ligarmos essas informações com as pessoas que não conseguiram sair a tempo da ilha, começamos a sentir o golpe.
O roteiro de Mark Bailey e Dallas Brennan, parceiros de longa data de Kennedy, ainda valoriza os feitos extraordinários de pessoas comuns que pelo "simples" impulso de ajudar o próximo, se colocam em perigo na busca incansável para recuperar uma vida - o interessante, inclusive, é que em nenhum momento o texto se apoia no sensacionalismo; todos os depoimentos, do chefe de policia da região ao piloto comercial de uma empresa de transporte aéreo, são muito humanos, sinceros, honestos. Agora é preciso que se diga um detalhe: embora sejam poucas as imagens da erupção em si (os áudios dos turistas são até mais impactantes do que as fotos ou as gravações dos celulares), o que vemos e ouvimos no terceiro ato de "Vulcão Whakaari: Resgate na Nova Zelândia" é de cortar o coração - são realmente imagens fortes e depoimentos duros!
Se você realmente estiver disposto esse "play" vai valer a pena!
Assistir o documentário produzido pelo Leonardo DiCaprio, "Vulcão Whakaari" (que no Brasil ganhou o subtítulo "Resgate na Nova Zelândia"), definitivamente não é uma jornada das mais tranquilas. Muito mais do que contar as histórias de quem esteve no centro da tragédia, essa produção da Netflix tem o cuidado de contextualizar as relações humanas, conectar os sentimentos de uma forma bastante sensível e, claro, construir uma linha narrativa que nos provoque uma experiência das mais marcantes como obra audiovisual - de fato, os depoimentos de quem sobreviveu e de quem participou do resgate nos tocam a alma!
Em 2019, a erupção do Vulcão Whakaari (conhecido como White Island) na Nova Zelândia colocou a vida de cerca de 50 turistas em risco quando, inexplicavelmente, entrou em erupção após 3 anos de silêncio. Com filmagens detalhadas e relatos que repassam cada minuto da tragédia, os sobreviventes relembram o pesadelo que viveram naquele dia de dezembro. Confira o trailer (em inglês):
Diferente dos documentários que cobriram os ataques em 11 de setembro como "11/9 - A Vida sob Ataque", "The Volcano: Rescue from Whakaari" (no original) não te conquista logo de cara pela repercussão do evento, sua densidade como trama é gradativa e exige um pouco de paciência. Isso não é um problema, mas sim uma solução conceitual que justifica a forma como o clímax vai sendo construído - é inegável que o distanciamento entre os fatos que culminam na tragédia e quem assiste o filme (especialmente aqui no Brasil) nos deixam em uma espécie de "estado de espera" até que algumas informações (e imagens) vão surgindo e, aí sim, nos impactando de uma forma avassaladora.
A diretora Rory Kennedy (indicada ao Oscar em 2015 por "Last Days in Vietnam" e responsável pelo indigesto "Queda Livre: A Tragédia do Caso Boeing") é craque em estabelecer o tamanho do problema de acordo com os testemunhos de quem sentiu a dor na pele. Kennedy vai se apropriando dos relatos para identificar alguns gatilhos emocionais que geram conexões imediatas, que nos prendem aos dramas pessoais e que ressignificam nossa posição de observador - um vulcão entrando em erupção parece não ter o mesmo valor que um avião batendo em um prédio no meio de Nova York até sabermos que o vapor desprendido por ele chega a 200 graus ou até vermos um helicóptero que ali estava, com suas hélices completamente derretidas após o fenômeno - ao ligarmos essas informações com as pessoas que não conseguiram sair a tempo da ilha, começamos a sentir o golpe.
O roteiro de Mark Bailey e Dallas Brennan, parceiros de longa data de Kennedy, ainda valoriza os feitos extraordinários de pessoas comuns que pelo "simples" impulso de ajudar o próximo, se colocam em perigo na busca incansável para recuperar uma vida - o interessante, inclusive, é que em nenhum momento o texto se apoia no sensacionalismo; todos os depoimentos, do chefe de policia da região ao piloto comercial de uma empresa de transporte aéreo, são muito humanos, sinceros, honestos. Agora é preciso que se diga um detalhe: embora sejam poucas as imagens da erupção em si (os áudios dos turistas são até mais impactantes do que as fotos ou as gravações dos celulares), o que vemos e ouvimos no terceiro ato de "Vulcão Whakaari: Resgate na Nova Zelândia" é de cortar o coração - são realmente imagens fortes e depoimentos duros!
Se você realmente estiver disposto esse "play" vai valer a pena!
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