Quando assisti a versão para cinema do musical "Les Miserables" fiz um review (que você pode ler aqui) torcendo para que desse muito certo e tudo aquilo que eu havia assistido no teatro se transformasse em grandes filmes. "Beauty and the Beast" (título original) é um grande filme, no sentido mais cinematográfico da afirmação! É uma história que fez sucesso em Animação, na Broadway e agora no Cinema - custou 160 milhões e "só" no final de semana de lançamento arrecadou 174 milhões (apenas nos EUA)! Confira o belíssimo trailer e tente não se emocionar:
O filme é sobre a fantástica história de Bela (Emma Watson), uma jovem brilhante, bonita e independente, que é aprisionada por um Monstro (Dan Stevens) no seu castelo. Apesar dos seus receios, Bela torna-se amiga dos empregados - figuras encantadas que personificam objetos de decoração ou de cozinha. A jovem se diferencia de outras "convidadas" por conseguir ver além do terrível exterior da Fera assim que começa conhecer a alma e o coração de um verdadeiro Príncipe amaldiçoado!
Dirigido pelo ótimo Bill Condon (de "Dreamgirls"), o filme é muito bem feito, muito bonito visualmente e pode separar um monte de estatuetas para as categorias técnicas e de arte (desenho de produção, figurino, maquiagem e se bobear até efeitos especiais) do Oscar 2018. É muito bacana o conceito que imprimiram no filme, você tem a impressão que está assistindo uma animação só que com pessoas de verdade - as cores, os efeitos, os movimentos de câmera, a fotografia; tudo colabora pra isso e trás muito da magia que é assistir "A Bela e a Fera" na Broadway.
Torço para que a Disney traga mais dos seus clássicos para o cinema e que outros estúdios acreditem e invistam em adaptações de outras clássicos como Miss Saygon, Phanton of the Opera, Cats, etc!
É um filme para toda a familia! Vale muito o play!
Up-date: "A Bela e a Fera" foi indicada em duas categorias no Oscar 2018: Melhor Figurino e Melhor Desenho de Produção, mas acabou não ganhando nenhuma estatueta!
Quando assisti a versão para cinema do musical "Les Miserables" fiz um review (que você pode ler aqui) torcendo para que desse muito certo e tudo aquilo que eu havia assistido no teatro se transformasse em grandes filmes. "Beauty and the Beast" (título original) é um grande filme, no sentido mais cinematográfico da afirmação! É uma história que fez sucesso em Animação, na Broadway e agora no Cinema - custou 160 milhões e "só" no final de semana de lançamento arrecadou 174 milhões (apenas nos EUA)! Confira o belíssimo trailer e tente não se emocionar:
O filme é sobre a fantástica história de Bela (Emma Watson), uma jovem brilhante, bonita e independente, que é aprisionada por um Monstro (Dan Stevens) no seu castelo. Apesar dos seus receios, Bela torna-se amiga dos empregados - figuras encantadas que personificam objetos de decoração ou de cozinha. A jovem se diferencia de outras "convidadas" por conseguir ver além do terrível exterior da Fera assim que começa conhecer a alma e o coração de um verdadeiro Príncipe amaldiçoado!
Dirigido pelo ótimo Bill Condon (de "Dreamgirls"), o filme é muito bem feito, muito bonito visualmente e pode separar um monte de estatuetas para as categorias técnicas e de arte (desenho de produção, figurino, maquiagem e se bobear até efeitos especiais) do Oscar 2018. É muito bacana o conceito que imprimiram no filme, você tem a impressão que está assistindo uma animação só que com pessoas de verdade - as cores, os efeitos, os movimentos de câmera, a fotografia; tudo colabora pra isso e trás muito da magia que é assistir "A Bela e a Fera" na Broadway.
Torço para que a Disney traga mais dos seus clássicos para o cinema e que outros estúdios acreditem e invistam em adaptações de outras clássicos como Miss Saygon, Phanton of the Opera, Cats, etc!
É um filme para toda a familia! Vale muito o play!
Up-date: "A Bela e a Fera" foi indicada em duas categorias no Oscar 2018: Melhor Figurino e Melhor Desenho de Produção, mas acabou não ganhando nenhuma estatueta!
Quando eu era criança meu desenho favorito era a "Liga da Justiça" (mesmo com o Irmãos Gêmeos...rs). Na época era muito difícil encontrar uma animação da Marvel - única excessão era o Homem-Aranha e olhe lá. Thor, Homem de Ferro eram ótimos tbm, mas muito difícil de acompanhar, pois as temporadas eram curtas, quase cults (pelo formato e raridade de encontrar na TV). Com o sucesso da Marvel e o desespero da DC em se estabelecer, vimos uma série de bobagens no cinema recente de heróis (impossível não lembrar do "Martha?" de Batman vs Superman ou até da "Liga da Justiça"). Bem, assistimos um longa de animação da DC chamado "A Morte do Superman" dirigido pelo Jake Castorina e fiquei impressionado com a qualidade do roteiro! Veja o trailer:
Na história, um monstro gigantesco batizado de Doomsday surge do mundo subterrâneo para começar uma destruição em massa na cidade de Metrópoles. A Liga da Justiça precisa intervir imediatamente, mas parece que só os poderes do Super-Homem são compatíveis com o do terrível monstro. Em uma luta mortal, o destino do super-herói torna-se incerto.
Para começar, o conceito da animação é totalmente retrô, modernizada apenas no visual do universo; mas o ponto forte é mesmo o roteiro e não tem como não se perguntar: Por que não usaram esse roteiro no universo live action para estabelecer a Liga da Justiça no UDC? É uma questão de um ou outro ajuste, cortar ou adaptar algumas sequências e só! A animação em o equilíbrio certo entre alívio cômico e ação, sem apelar para o óbvio!! E aqui vai um comentário que sempre repito sobre a DC: não adianta forçar, o Universo DC é muito mais "sombrio" e/ou "Fantástico" que o da Marvel - não cabe tanta piadinha; que aliás no último Thor passou dos limites em muito, só faltou o Hulk usar um boné para trás e cantar rap (um lixo para composição de personagens, chega a ser patético), embora o filme tenha sido até divertido por ser tão despretensioso.
Pois bem, voltando a "The Death of Superman": o filme é simples, direto, bem construído, com um começo/meio/fim que faz sentido e um arco maior muito mais forte e inteligente do que qualquer filme da DC já feito até aqui. Vale muito a pena, tem muito (mas muito) dos quadrinhos e chega dar um fio de esperança que as coisas podem melhorar se os roteiristas e produtores entenderem que a DC já tem um identidade estabelecida e que, mesmo atrasada, sua mitologia é muito bacana!!!
Para quem gosta do gênero, com uma animação mais "raiz"; imperdível!!!!
Quando eu era criança meu desenho favorito era a "Liga da Justiça" (mesmo com o Irmãos Gêmeos...rs). Na época era muito difícil encontrar uma animação da Marvel - única excessão era o Homem-Aranha e olhe lá. Thor, Homem de Ferro eram ótimos tbm, mas muito difícil de acompanhar, pois as temporadas eram curtas, quase cults (pelo formato e raridade de encontrar na TV). Com o sucesso da Marvel e o desespero da DC em se estabelecer, vimos uma série de bobagens no cinema recente de heróis (impossível não lembrar do "Martha?" de Batman vs Superman ou até da "Liga da Justiça"). Bem, assistimos um longa de animação da DC chamado "A Morte do Superman" dirigido pelo Jake Castorina e fiquei impressionado com a qualidade do roteiro! Veja o trailer:
Na história, um monstro gigantesco batizado de Doomsday surge do mundo subterrâneo para começar uma destruição em massa na cidade de Metrópoles. A Liga da Justiça precisa intervir imediatamente, mas parece que só os poderes do Super-Homem são compatíveis com o do terrível monstro. Em uma luta mortal, o destino do super-herói torna-se incerto.
Para começar, o conceito da animação é totalmente retrô, modernizada apenas no visual do universo; mas o ponto forte é mesmo o roteiro e não tem como não se perguntar: Por que não usaram esse roteiro no universo live action para estabelecer a Liga da Justiça no UDC? É uma questão de um ou outro ajuste, cortar ou adaptar algumas sequências e só! A animação em o equilíbrio certo entre alívio cômico e ação, sem apelar para o óbvio!! E aqui vai um comentário que sempre repito sobre a DC: não adianta forçar, o Universo DC é muito mais "sombrio" e/ou "Fantástico" que o da Marvel - não cabe tanta piadinha; que aliás no último Thor passou dos limites em muito, só faltou o Hulk usar um boné para trás e cantar rap (um lixo para composição de personagens, chega a ser patético), embora o filme tenha sido até divertido por ser tão despretensioso.
Pois bem, voltando a "The Death of Superman": o filme é simples, direto, bem construído, com um começo/meio/fim que faz sentido e um arco maior muito mais forte e inteligente do que qualquer filme da DC já feito até aqui. Vale muito a pena, tem muito (mas muito) dos quadrinhos e chega dar um fio de esperança que as coisas podem melhorar se os roteiristas e produtores entenderem que a DC já tem um identidade estabelecida e que, mesmo atrasada, sua mitologia é muito bacana!!!
Para quem gosta do gênero, com uma animação mais "raiz"; imperdível!!!!
Visualmente magnifico e com aquela atmosfera de fantasia que só a Disney é capaz de entregar - talvez não exista forma melhor de definir essa experiência cinematográfica que notavelmente vai além do entretenimento, é afetiva! "A Pequena Sereia", sem dúvida, está entre os maiores acertos da temporada em vários sentidos - mas essencialmente no de nos permitir embarcar em uma jornada tão especial (principalmente para aqueles maiores de 40) como aquela que vivemos com a animação de 1989, dirigida pelo Ron Clements e pelo John Musker, e que ganhou dois Oscars no ano seguinte! Com um roteiro que privilegia o material original, mas sem perder a oportunidade de elaborar melhor algumas passagens da trama, atuações de tirar o fôlego (especialmente de Halle Bailey) e um desenho de produção que, conectado com um ótimo CGI, mergulha fundo na magia dos oceanos, este live-action oferece uma jornada única que cativa e emociona desde o primeiro minuto. Olha, se você já se apaixonou pelas mais recentes adaptações de "A Bela e a Fera" e de "Rei Leão", prepare-se para se encantar novamente porque o filme é realmente lindo!
"A Pequena Sereia" nos leva a um submerso mundo de sonhos, onde Ariel (Bailey), uma jovem sereia curiosa e determinada, anseia por conhecer tudo sobre os humanos. Quando ela se encanta pelo príncipe Eric (Jonah Hauer-King) após salvar a sua vida, Ariel faz um pacto com a bruxa do mar Ursula (Melissa McCarthy) para trocar sua voz por pernas humanas e assim poder tentar encontra-lo novamente. Acontece que Ariel tem apenas três dias para conquistar o coração de Eric, o problema é que ele tem em sua lembrança apenas a voz da pessoa que o salvou. Confira o trailer:
"A Pequena Sereia" é mais um deslumbrante exemplo de como o cinema pode criar mundos mágicos e envolventes de geração em geração. Nessa linha, a direção de Rob Marshall (indicado ao Oscar por "Chicago") merece nosso elogio, pois ele foi capaz de equilibrar habilmente os elementos de fantasia tão particulares da animação, com a profundidade emocional dos personagens que agora parecem reais. Reparem como no roteiro de David Magee (de “O Pior Vizinho do Mundo”), Ariel é uma princesa mais autossuficiente, independente, capaz de mostrar que seu fascínio vai muito além de um interesse amoroso, que sua curiosidade é, de fato, por toda a humanidade e suas complexidades. O ótimo Javier Bardem também entrega um Rei Tritão um pouco mais sensível e (ironicamente) mais humano, enquanto Jonah Hauer-King vive um Príncipe Eric com mais personalidade e até mais encanto que o original - a relação com sua mãe e rainha (Noma Dumezweni), que não existia no filme original, amplia as camadas emocionais de um núcleo que praticamente não tinha força em 89 e funciona demais!
A fotografia do craque Dion Beebe (também de "Chicago" e vencedor do Oscar por "Memórias de uma Gueixa") é simplesmente espetacular - as cores vibrantes e os cenários deslumbrantes nos transportam para um reino submerso com muita naturalidade. Se atentem também em como a cauda de Ariel é retratada, com tons que vão se alterando conforme a luz, se projetando sobre ela, com seu movimento extremamente orgânico, contribuindo ainda mais para que a magia Disney se torna palpável. A trilha sonora, obviamente, é outro ponto alto do live-action, com novas interpretações das icônicas músicas da animação original, bem como canções inéditas que se integram perfeitamente à narrativa - Lin-Manuel Miranda (de “Encanto”) mais uma vez brilha! A combinação de músicas como
"A Pequena Sereia" tem mesmo aquele toque nostálgico e talvez por isso seja capaz de transcender as expectativas de grande parte da audiência. É original? Não - assim como também não foi o "Rei Leão", mas te garanto: continua apaixonante! Pode ter certeza que essa é mais uma experiência proporcionada pela Disney que vai tocar seu coração e te transportar para um mundo de magia e romance com a mesma intensidade e competência que a animação original, mesmo depois de 34 anos!
Vale seu play!
Visualmente magnifico e com aquela atmosfera de fantasia que só a Disney é capaz de entregar - talvez não exista forma melhor de definir essa experiência cinematográfica que notavelmente vai além do entretenimento, é afetiva! "A Pequena Sereia", sem dúvida, está entre os maiores acertos da temporada em vários sentidos - mas essencialmente no de nos permitir embarcar em uma jornada tão especial (principalmente para aqueles maiores de 40) como aquela que vivemos com a animação de 1989, dirigida pelo Ron Clements e pelo John Musker, e que ganhou dois Oscars no ano seguinte! Com um roteiro que privilegia o material original, mas sem perder a oportunidade de elaborar melhor algumas passagens da trama, atuações de tirar o fôlego (especialmente de Halle Bailey) e um desenho de produção que, conectado com um ótimo CGI, mergulha fundo na magia dos oceanos, este live-action oferece uma jornada única que cativa e emociona desde o primeiro minuto. Olha, se você já se apaixonou pelas mais recentes adaptações de "A Bela e a Fera" e de "Rei Leão", prepare-se para se encantar novamente porque o filme é realmente lindo!
"A Pequena Sereia" nos leva a um submerso mundo de sonhos, onde Ariel (Bailey), uma jovem sereia curiosa e determinada, anseia por conhecer tudo sobre os humanos. Quando ela se encanta pelo príncipe Eric (Jonah Hauer-King) após salvar a sua vida, Ariel faz um pacto com a bruxa do mar Ursula (Melissa McCarthy) para trocar sua voz por pernas humanas e assim poder tentar encontra-lo novamente. Acontece que Ariel tem apenas três dias para conquistar o coração de Eric, o problema é que ele tem em sua lembrança apenas a voz da pessoa que o salvou. Confira o trailer:
"A Pequena Sereia" é mais um deslumbrante exemplo de como o cinema pode criar mundos mágicos e envolventes de geração em geração. Nessa linha, a direção de Rob Marshall (indicado ao Oscar por "Chicago") merece nosso elogio, pois ele foi capaz de equilibrar habilmente os elementos de fantasia tão particulares da animação, com a profundidade emocional dos personagens que agora parecem reais. Reparem como no roteiro de David Magee (de “O Pior Vizinho do Mundo”), Ariel é uma princesa mais autossuficiente, independente, capaz de mostrar que seu fascínio vai muito além de um interesse amoroso, que sua curiosidade é, de fato, por toda a humanidade e suas complexidades. O ótimo Javier Bardem também entrega um Rei Tritão um pouco mais sensível e (ironicamente) mais humano, enquanto Jonah Hauer-King vive um Príncipe Eric com mais personalidade e até mais encanto que o original - a relação com sua mãe e rainha (Noma Dumezweni), que não existia no filme original, amplia as camadas emocionais de um núcleo que praticamente não tinha força em 89 e funciona demais!
A fotografia do craque Dion Beebe (também de "Chicago" e vencedor do Oscar por "Memórias de uma Gueixa") é simplesmente espetacular - as cores vibrantes e os cenários deslumbrantes nos transportam para um reino submerso com muita naturalidade. Se atentem também em como a cauda de Ariel é retratada, com tons que vão se alterando conforme a luz, se projetando sobre ela, com seu movimento extremamente orgânico, contribuindo ainda mais para que a magia Disney se torna palpável. A trilha sonora, obviamente, é outro ponto alto do live-action, com novas interpretações das icônicas músicas da animação original, bem como canções inéditas que se integram perfeitamente à narrativa - Lin-Manuel Miranda (de “Encanto”) mais uma vez brilha! A combinação de músicas como
"A Pequena Sereia" tem mesmo aquele toque nostálgico e talvez por isso seja capaz de transcender as expectativas de grande parte da audiência. É original? Não - assim como também não foi o "Rei Leão", mas te garanto: continua apaixonante! Pode ter certeza que essa é mais uma experiência proporcionada pela Disney que vai tocar seu coração e te transportar para um mundo de magia e romance com a mesma intensidade e competência que a animação original, mesmo depois de 34 anos!
Vale seu play!
Talvez o maior mérito do "Cinema" seja nos transportar para dentro da Fantasia com tanta veracidade que as duas horas de uma projeção ficam reverberando na nossa imaginação por muito tempo. "Dumbo" talvez não seja um grande filme no sentido narrativo, mas visualmente é e, mais importante, tem a alma da Disney!!! Tenho a mais absoluta certeza que se Walt fosse vivo, terminaria de assistir "Dumbo", olharia para o lado e diria para seu irmão: "Valeu a pena"!!! "Dumbo" é um filme que equilibra muito bem o que Walt acreditava, seus ideais como criador, com a tecnologia necessária para dar vida para um elefante voador. É impressionante, e te garanto, ele te transporta para um mundo de fantasia já nas primeiras cenas!!
Um circo decadente, passando por dificuldades financeiras acaba encontrando em um elefante recém-nascido, a oportunidade de se reerguer. O pequeno elefante, embora pareça uma aberração por ter orelhas enormes, acaba descobrindo uma capacidade muito curiosa: a de voar! Isso chama atenção de um grande empresário que está inovando o mercado de entretenimento da época com uma espécie de Parque Temático chamado "Dreamland". Ter Dumbo como atração seria a certeza de mais público e, claro, investimentos; mesmo que para isso seja necessário sacrificar o antigo circo e dispensar todos os outros artistas que não empolgariam mais nenhuma platéia!
Dito isso, alguns elementos dessa versão live-action do clássico de 1941 merecem destaque: Eu achei a adaptação muito coerente com os dias atuais e, em alguns momentos, muito corajosa, afinal o "showbiz acima de tudo" nunca pode ser considerado o objetivo principal (tá, eu sei que minha visão é muito romântica...rs). Tim Burton foi muito sagaz em desconstruir o ideal de Walt, mas se apropriando da sua visão empreendedora, para dar vida ao vilão do filme - e olhem só, em um filme da Disney!!! O uso de animais em Circos também já me parece uma discussão batida, mas o filme faz questão de manter viva e faz isso com muita inteligência. A cena do descontrole da mãe de Dumbo ao ver o filho em perigo é muito interessante e faz pensar nas consequências de algumas escolhas. A troca de universos também ficou bem bacana: primeiro a tradição, o clássico que não se renovou, o Circo como entretenimento em tempos de guerra, mesmo com a cor na tela, está menos saturada, mais lavada, com muito marrom no figurino e na cenografia. Já na modernidade ostensiva de "Dreamland", as cores vibram com as luzes, o contraste é muito maior e vivo!!! É um lindo trabalho de direção de arte integrado com a pós produção, uma marca dos filmes do Tim Burton, inclusive!!! A fotografia é muito bonita e traz sensações muito relevantes para quem assiste: reparem na cena em que o personagem do Michael Keaton convida o personagem do Danny DeVito para ser seu sócio - a construção do quadro é perfeita, pois ao mesmo tempo que mostra a beleza da natureza, com um Circo decadente ao fundo, transmite o vazio de uma decisão que deixa de lado a essência da arte pelo dinheiro e pelo sucesso - mérito do inglês Ben Davis, diretor de fotografia de quase todos os filmes da Marvel!!!
Dois pontos acho que mereciam um cuidado maior no filme. O primeiro é a escolha do elenco infantil. Achei os dois atores fracos e sem nenhum carisma. E o outro ponto: o Dumbo aparece em muitas apresentações voando e isso tira um pouco da emoção do 3º ato, onde na história original ele se obriga a voar e enfrentar seus medos para salvar as crianças do incêndio. Não sei, faltou a emoção de um grande final!!!! Na minha opinião, isso não prejudica a experiência de voltar a infância e revisitar uma história que fez parte da vida de todos nós. Vale muito a pena, é um filme para a família e ainda, no final, faz uma linda homenagem ao cinema.
PS: "Dumbo" é quase um ensaio para o que veremos em Rei Leão!!! A Composição dos animais em CG com a integração dos cenários reais, olha, é digna de Oscar, podem anotar!!!
Talvez o maior mérito do "Cinema" seja nos transportar para dentro da Fantasia com tanta veracidade que as duas horas de uma projeção ficam reverberando na nossa imaginação por muito tempo. "Dumbo" talvez não seja um grande filme no sentido narrativo, mas visualmente é e, mais importante, tem a alma da Disney!!! Tenho a mais absoluta certeza que se Walt fosse vivo, terminaria de assistir "Dumbo", olharia para o lado e diria para seu irmão: "Valeu a pena"!!! "Dumbo" é um filme que equilibra muito bem o que Walt acreditava, seus ideais como criador, com a tecnologia necessária para dar vida para um elefante voador. É impressionante, e te garanto, ele te transporta para um mundo de fantasia já nas primeiras cenas!!
Um circo decadente, passando por dificuldades financeiras acaba encontrando em um elefante recém-nascido, a oportunidade de se reerguer. O pequeno elefante, embora pareça uma aberração por ter orelhas enormes, acaba descobrindo uma capacidade muito curiosa: a de voar! Isso chama atenção de um grande empresário que está inovando o mercado de entretenimento da época com uma espécie de Parque Temático chamado "Dreamland". Ter Dumbo como atração seria a certeza de mais público e, claro, investimentos; mesmo que para isso seja necessário sacrificar o antigo circo e dispensar todos os outros artistas que não empolgariam mais nenhuma platéia!
Dito isso, alguns elementos dessa versão live-action do clássico de 1941 merecem destaque: Eu achei a adaptação muito coerente com os dias atuais e, em alguns momentos, muito corajosa, afinal o "showbiz acima de tudo" nunca pode ser considerado o objetivo principal (tá, eu sei que minha visão é muito romântica...rs). Tim Burton foi muito sagaz em desconstruir o ideal de Walt, mas se apropriando da sua visão empreendedora, para dar vida ao vilão do filme - e olhem só, em um filme da Disney!!! O uso de animais em Circos também já me parece uma discussão batida, mas o filme faz questão de manter viva e faz isso com muita inteligência. A cena do descontrole da mãe de Dumbo ao ver o filho em perigo é muito interessante e faz pensar nas consequências de algumas escolhas. A troca de universos também ficou bem bacana: primeiro a tradição, o clássico que não se renovou, o Circo como entretenimento em tempos de guerra, mesmo com a cor na tela, está menos saturada, mais lavada, com muito marrom no figurino e na cenografia. Já na modernidade ostensiva de "Dreamland", as cores vibram com as luzes, o contraste é muito maior e vivo!!! É um lindo trabalho de direção de arte integrado com a pós produção, uma marca dos filmes do Tim Burton, inclusive!!! A fotografia é muito bonita e traz sensações muito relevantes para quem assiste: reparem na cena em que o personagem do Michael Keaton convida o personagem do Danny DeVito para ser seu sócio - a construção do quadro é perfeita, pois ao mesmo tempo que mostra a beleza da natureza, com um Circo decadente ao fundo, transmite o vazio de uma decisão que deixa de lado a essência da arte pelo dinheiro e pelo sucesso - mérito do inglês Ben Davis, diretor de fotografia de quase todos os filmes da Marvel!!!
Dois pontos acho que mereciam um cuidado maior no filme. O primeiro é a escolha do elenco infantil. Achei os dois atores fracos e sem nenhum carisma. E o outro ponto: o Dumbo aparece em muitas apresentações voando e isso tira um pouco da emoção do 3º ato, onde na história original ele se obriga a voar e enfrentar seus medos para salvar as crianças do incêndio. Não sei, faltou a emoção de um grande final!!!! Na minha opinião, isso não prejudica a experiência de voltar a infância e revisitar uma história que fez parte da vida de todos nós. Vale muito a pena, é um filme para a família e ainda, no final, faz uma linda homenagem ao cinema.
PS: "Dumbo" é quase um ensaio para o que veremos em Rei Leão!!! A Composição dos animais em CG com a integração dos cenários reais, olha, é digna de Oscar, podem anotar!!!
Lindo e leve como uma animação da Pixar deve ser, mas é preciso que se diga: fica a impressão que faltou alguma coisa! Calma, esse "mas" não impacta em absolutamente nada nossa experiência como audiência se olharmos para o filme isoladamente - o grande problema é justamente quando olhamos para trás e o comparamos com "Divertidamente", por exemplo, já que o conceito narrativo dos dois filmes é muito próximo. De cara, é preciso elogiar a criação do universo de Element City e a forma como o diretor Peter Sohn (de "O Bom Dinossauro") transforma os elementos (fogo, água, terra, ar) em personagens tão simpáticos, no entanto, e tirando a relação entre os protagonistas Faísca (fogo) e Gota (água), parece que falta desenvolvimento para que todos tenham uma importância, de fato, essencial para a história - um detalhe que já pareceu ter sido mais bem cuidado pelo Estúdio.
Na cidade de "Elementos", todos vivem em harmonia desde que respeitem a regra de não se misturar. No entanto, há alguns anos, os pais de Faísca chegaram ao local, como imigrantes, lutando por uma vida melhor. Aos poucos, montaram uma loja e conseguiram sustentar a filha única, que agora deve seguir os passos do pai na administração do negócio de família, porém uma amizade improvável coloca todas as relações daquele universo em uma outra perspectiva. Confira o trailer:
É perceptível nos olhos atentos da audiência o quanto a premissa de "Elementos" soa original e criativa - funcionando como potencial gatilho para que as brechas do roteiro nem ao menos sejam percebidas. A ideia de explorar as relações entre os elementos que vivem em harmonia, mas soam preconceituosos entre eles, é fascinante e abre espaço para uma série de metáforas e reflexões das mais interessantes - ao assistirmos com nossos pequenos, a sensação de estarmos mostrando a realidade e como é importante transforma-la em algo melhor, é realmente potente.
A história escrita por 3 roteiristas (John Hoberg, Kat Likkel e Brenda Hsueh) que nunca trabalharam antes com animações e que possuem uma carreira na televisão, em séries de comédia, ajuda a criar uma fluidez interessante para a narrativa - ela é bem contada e envolvente, com personagens carismáticos e um desenvolvimento emocional sincero, mas que não se apega a tantos detalhes. Veja, o ponto alto do filme parece ser uma linha temática que discute a imigração e as relações sociais entre indivíduos de diferentes raças. Essa abordagem ganha uma representação encantadora na forma gráfica de uma cidade, com bairros completamente diferentes e uma interação igualmente distinta entre os elementos e os espaços urbanos - algo como a mente da garotinha de onze anos, Riley, que ao ser guiada por suas Emoções (Alegria, Nojinho, Medo, Raiva e Tristeza) conectava elementos diferentes em um mesmo universo. A grande diferença, no entanto, é o valor dos detalhes que em "Divertidamente" fazia muito mais sentido, tudo tinha uma razão de ser e o impacto nos personagens - isso, inclusive, criava uma "identificação" com um público maior.
Sinceramente acho que "Elementos" é o tipo da animação que vai agradar a todos, mas vai impactar mais alguns perfis de audiência. Como obra, tem uma história divertida e emocionante (especialmente se você já tiver filhos) que tem muito a dizer sobre aceitação e diversidade. Como não poderia deixar de ser, a trilha sonora é brilhante, com músicas que sabem exatamente onde nos tocar, e o visual, olha, sensacional - quebrando aquele principio que soava como o maior desafio dos animadores: o de replicar a complexidade da água e do fogo em CGI sem parecer papel celofane se mexendo. Lindo de ver!
Vale seu play!
Lindo e leve como uma animação da Pixar deve ser, mas é preciso que se diga: fica a impressão que faltou alguma coisa! Calma, esse "mas" não impacta em absolutamente nada nossa experiência como audiência se olharmos para o filme isoladamente - o grande problema é justamente quando olhamos para trás e o comparamos com "Divertidamente", por exemplo, já que o conceito narrativo dos dois filmes é muito próximo. De cara, é preciso elogiar a criação do universo de Element City e a forma como o diretor Peter Sohn (de "O Bom Dinossauro") transforma os elementos (fogo, água, terra, ar) em personagens tão simpáticos, no entanto, e tirando a relação entre os protagonistas Faísca (fogo) e Gota (água), parece que falta desenvolvimento para que todos tenham uma importância, de fato, essencial para a história - um detalhe que já pareceu ter sido mais bem cuidado pelo Estúdio.
Na cidade de "Elementos", todos vivem em harmonia desde que respeitem a regra de não se misturar. No entanto, há alguns anos, os pais de Faísca chegaram ao local, como imigrantes, lutando por uma vida melhor. Aos poucos, montaram uma loja e conseguiram sustentar a filha única, que agora deve seguir os passos do pai na administração do negócio de família, porém uma amizade improvável coloca todas as relações daquele universo em uma outra perspectiva. Confira o trailer:
É perceptível nos olhos atentos da audiência o quanto a premissa de "Elementos" soa original e criativa - funcionando como potencial gatilho para que as brechas do roteiro nem ao menos sejam percebidas. A ideia de explorar as relações entre os elementos que vivem em harmonia, mas soam preconceituosos entre eles, é fascinante e abre espaço para uma série de metáforas e reflexões das mais interessantes - ao assistirmos com nossos pequenos, a sensação de estarmos mostrando a realidade e como é importante transforma-la em algo melhor, é realmente potente.
A história escrita por 3 roteiristas (John Hoberg, Kat Likkel e Brenda Hsueh) que nunca trabalharam antes com animações e que possuem uma carreira na televisão, em séries de comédia, ajuda a criar uma fluidez interessante para a narrativa - ela é bem contada e envolvente, com personagens carismáticos e um desenvolvimento emocional sincero, mas que não se apega a tantos detalhes. Veja, o ponto alto do filme parece ser uma linha temática que discute a imigração e as relações sociais entre indivíduos de diferentes raças. Essa abordagem ganha uma representação encantadora na forma gráfica de uma cidade, com bairros completamente diferentes e uma interação igualmente distinta entre os elementos e os espaços urbanos - algo como a mente da garotinha de onze anos, Riley, que ao ser guiada por suas Emoções (Alegria, Nojinho, Medo, Raiva e Tristeza) conectava elementos diferentes em um mesmo universo. A grande diferença, no entanto, é o valor dos detalhes que em "Divertidamente" fazia muito mais sentido, tudo tinha uma razão de ser e o impacto nos personagens - isso, inclusive, criava uma "identificação" com um público maior.
Sinceramente acho que "Elementos" é o tipo da animação que vai agradar a todos, mas vai impactar mais alguns perfis de audiência. Como obra, tem uma história divertida e emocionante (especialmente se você já tiver filhos) que tem muito a dizer sobre aceitação e diversidade. Como não poderia deixar de ser, a trilha sonora é brilhante, com músicas que sabem exatamente onde nos tocar, e o visual, olha, sensacional - quebrando aquele principio que soava como o maior desafio dos animadores: o de replicar a complexidade da água e do fogo em CGI sem parecer papel celofane se mexendo. Lindo de ver!
Vale seu play!
Ao longo do anos, é inegável como algumas animações se destacaram como verdadeiros marcos culturais e visuais, essencialmente se produzidas pelas Disney/Pixar. Seguindo esse raciocínio, é bem possível afirmar que "Divertidamente" vai aparecer em 9 de 10 listas entre as melhores de todos os tempos. Com a premissa de desvendar o que acontece dentro da cabeça de uma pré-adolescente pelo olhar lúdico da "personificação" das emoções, a animação de 2015 conseguiu a proeza de disputar o Oscar de "Melhor Roteiro Original" no ano seguinte - além, obviamente, de levar o prêmio como "Melhor Animação do Ano" (uma barbada). Pois bem, "Emoji - O Filme", dirigido pelo Tony Leondis (de "Kung Fu Panda"), é um filme que basicamente repete os mesmos elementos narrativos, sem tanta genialidade é verdade (mas com ótimas sacadas), em um universo, digamos, mais tecnológico, onde as emoções, nesse caso, não estão personificadas e sim programadas, ou representadas, na forma de "emojis".
O filme se passa dentro do celular de Alex, um tímido adolescente que está descobrindo o amor. Lá, no coração da cidade de Textópolis, onde os emojis vivem e trabalham para cumprir seu papel de comunicar um sentimento, Gene (T.J. Miller), um emoji com uma nova capacidade de mudar de expressão, luta para encontrar seu lugar no mundo - ou, pelo menos, entre os "favoritos" de Alex. Com a ajuda de Hi-5 (James Corden), um emoji já fora de moda, e Jailbreak (Anna Faris), uma pseudo-hacker brilhante, ele embarca em uma jornada épica para encontrar um jeito que o salvará de ser apagado para sempre depois de colocar Alex em uma situação bastante desconfortável perante seu crush. Confira o trailer:
Eu diria que "Emoji - O Filme" é um bom entretenimento, nem tão profundo, nem tão bobinho, ou seja, ele chega até a surpreender por explorar de maneira inteligente um conceito aparentemente simples e transformá-lo em uma experiência visualmente estimulante e emocionalmente envolvente. A primeira coisa que chama a atenção é a qualidade da animação - muito mérito da Sony Pictures Animation que vem em plena ascendência no desenvolvimento de seus projetos. Cada emoji, muito bem detalhado dentro daquele estilo menos rebuscado dos apps de envio de texto, acabam representando um certo contraste com o universo mais tecnológico dentro do celular de Alex. Como em "Divertidamente", é toda aquele cenário mais lúdico que estabelece a aventura dos personagens, surgindo como um verdadeiro espetáculo de cores, texturas e luzes, que cativam a audiência desde o primeiro momento - especialmente aqueles que reconhecem algumas piadas nerds ao melhor estilo "Silicon Valley" (da HBO).
O roteiro de Tony Leondis, Eric Siegel e Mike White me pareceu muito sagaz, criando uma experiência bastante agradável. O filme não se contenta em ser apenas uma história divertida sobre emojis se aventurando pelo desconhecido, mas também é capaz de mergulhar em temas um pouco mais profundos, como a busca pela identidade e a importância de ser autêntico, mas sem soar verborrágico demais. A jornada de Gene para aceitar sua habilidade de ter múltiplas expressões, encontrar seu lugar no mundo, mesmo sob o olhar preocupado de seus pais mais tradicionais, é realmente uma mensagem poderosa para pessoas de todas as idades e que certamente vai te fazer refletir - mais uma vez, como "Divertidamente", é impossível não criar paralelos mentais sobre nossa própria história. Além disso, claro, o elenco de voz é ótimo: T.J. Miller é uma mistura perfeita de vulnerabilidade e humor, enquanto James Corden e Anna Faris acrescentam camadas fascinantes aos seus personagens - do humor "sem noção" ao "mal humor" mais charmoso.
Mesmo que possa parecer redundante, a química entre o elenco, as animações e o contexto estabelecido pelo roteiro, faz com que as emoções dos emojis sejam de fato palpáveis - e eu diria que a trilha sonora vibrante e o desenho de som bem conectados com nossa realidade, só aumentam a diversão dessa jornada. Resumindo, "Emoji - O Filme" não é genial, mas nos leva para uma viagem interessante, divertida e leve através do mundo dos emojis com muita simpatia. Então se você está em busca de uma opção para toda a família, este é o filme que você estava esperando - não será inesquecível, mas também não vai te decepcionar!
Ao longo do anos, é inegável como algumas animações se destacaram como verdadeiros marcos culturais e visuais, essencialmente se produzidas pelas Disney/Pixar. Seguindo esse raciocínio, é bem possível afirmar que "Divertidamente" vai aparecer em 9 de 10 listas entre as melhores de todos os tempos. Com a premissa de desvendar o que acontece dentro da cabeça de uma pré-adolescente pelo olhar lúdico da "personificação" das emoções, a animação de 2015 conseguiu a proeza de disputar o Oscar de "Melhor Roteiro Original" no ano seguinte - além, obviamente, de levar o prêmio como "Melhor Animação do Ano" (uma barbada). Pois bem, "Emoji - O Filme", dirigido pelo Tony Leondis (de "Kung Fu Panda"), é um filme que basicamente repete os mesmos elementos narrativos, sem tanta genialidade é verdade (mas com ótimas sacadas), em um universo, digamos, mais tecnológico, onde as emoções, nesse caso, não estão personificadas e sim programadas, ou representadas, na forma de "emojis".
O filme se passa dentro do celular de Alex, um tímido adolescente que está descobrindo o amor. Lá, no coração da cidade de Textópolis, onde os emojis vivem e trabalham para cumprir seu papel de comunicar um sentimento, Gene (T.J. Miller), um emoji com uma nova capacidade de mudar de expressão, luta para encontrar seu lugar no mundo - ou, pelo menos, entre os "favoritos" de Alex. Com a ajuda de Hi-5 (James Corden), um emoji já fora de moda, e Jailbreak (Anna Faris), uma pseudo-hacker brilhante, ele embarca em uma jornada épica para encontrar um jeito que o salvará de ser apagado para sempre depois de colocar Alex em uma situação bastante desconfortável perante seu crush. Confira o trailer:
Eu diria que "Emoji - O Filme" é um bom entretenimento, nem tão profundo, nem tão bobinho, ou seja, ele chega até a surpreender por explorar de maneira inteligente um conceito aparentemente simples e transformá-lo em uma experiência visualmente estimulante e emocionalmente envolvente. A primeira coisa que chama a atenção é a qualidade da animação - muito mérito da Sony Pictures Animation que vem em plena ascendência no desenvolvimento de seus projetos. Cada emoji, muito bem detalhado dentro daquele estilo menos rebuscado dos apps de envio de texto, acabam representando um certo contraste com o universo mais tecnológico dentro do celular de Alex. Como em "Divertidamente", é toda aquele cenário mais lúdico que estabelece a aventura dos personagens, surgindo como um verdadeiro espetáculo de cores, texturas e luzes, que cativam a audiência desde o primeiro momento - especialmente aqueles que reconhecem algumas piadas nerds ao melhor estilo "Silicon Valley" (da HBO).
O roteiro de Tony Leondis, Eric Siegel e Mike White me pareceu muito sagaz, criando uma experiência bastante agradável. O filme não se contenta em ser apenas uma história divertida sobre emojis se aventurando pelo desconhecido, mas também é capaz de mergulhar em temas um pouco mais profundos, como a busca pela identidade e a importância de ser autêntico, mas sem soar verborrágico demais. A jornada de Gene para aceitar sua habilidade de ter múltiplas expressões, encontrar seu lugar no mundo, mesmo sob o olhar preocupado de seus pais mais tradicionais, é realmente uma mensagem poderosa para pessoas de todas as idades e que certamente vai te fazer refletir - mais uma vez, como "Divertidamente", é impossível não criar paralelos mentais sobre nossa própria história. Além disso, claro, o elenco de voz é ótimo: T.J. Miller é uma mistura perfeita de vulnerabilidade e humor, enquanto James Corden e Anna Faris acrescentam camadas fascinantes aos seus personagens - do humor "sem noção" ao "mal humor" mais charmoso.
Mesmo que possa parecer redundante, a química entre o elenco, as animações e o contexto estabelecido pelo roteiro, faz com que as emoções dos emojis sejam de fato palpáveis - e eu diria que a trilha sonora vibrante e o desenho de som bem conectados com nossa realidade, só aumentam a diversão dessa jornada. Resumindo, "Emoji - O Filme" não é genial, mas nos leva para uma viagem interessante, divertida e leve através do mundo dos emojis com muita simpatia. Então se você está em busca de uma opção para toda a família, este é o filme que você estava esperando - não será inesquecível, mas também não vai te decepcionar!
Visualmente espetacular, "Homem-Aranha Através do Aranhaverso" coloca o gênero de longa-metragem de animação em outro patamar, conseguindo o que parecia impossível: ser ainda mais inovador conceitualmente que seu antecessor "Homem-Aranha no Aranhaverso". Sem a menor dúvida que o filme dirigido pelos premiados Kemp Powers e Justin K. Thompson, além do "novato" Joaquim Dos Santos (de Invencível"), mais uma vez, transcende as barreiras do que poderíamos chamar de convencional, com uma narrativa dinâmica que oferece uma experiência ainda mais imersiva, sem esquecer, claro, do princípio básico de nunca se afastar daquele mood de HQ. Obviamente que o que faz o filme se destacar são os elementos visuais, mas a narrativa cativante e a abordagem corajosa da mitologia do Homem-Aranha em seu multiverso também merece destaque - no entanto, e é preciso que se diga, são tantas referências, de tantas fases e formas do herói, que para quem não é tão ligado naquele contexto, pode soar bastante confuso ou no mínimo não tão interessante.
Miles Morales (Shameik Moore), o simpático jovem Homem-Aranha do Brooklyn, é transportado para uma aventura através do tempo e espaço ao lado de sua amiga Gwen Stacy (Hailee Steinfeld), onde acaba mudando os rumos de um dos universos quando salva um policial da morte. Ao ser confrontado sobre essa atitude impensada por Miguel O’Hara e Jessica Drew, as cabeças por trás da Sociedade Aranha que fiscaliza a integridade do multiverso, Morales fica sabendo que ele é o único Homem-Aranha que não deveria existir e agora, para salvar as pessoas que ele mais ama, ele precisa redefinir o significado de ser um super-herói enquanto luta para encontrar seu lugar no Aranhaverso sem tantos lutos! Confira o trailer:
"Homem-Aranha Através do Aranhaverso" é uma explosão de criatividade visual e narrativa que chega ser difícil até definir, dadas as inúmeras técnicas usadas para contar uma história que parece amarrar muito bem todo esse conceito maluco de multiverso. A proposta de mesclar diferentes estilos de animação, desde o traço mais tradicional da HQ até o visual mais moderno do vídeo-game, sem dúvida que cria uma experiência deslumbrante para a audiência. A direção de arte e as animações em si, são impecáveis, fazendo com que cada cena, cada plano, cada sequência, de fato, pareçam obras de arte em movimento - e o interessante é que isso está no DNA desde a criação do projeto, no entanto, diretores e roteiristas parecem não usar desse deslumbre como bengala para esconder uma trama fraca ou sem sentido. Reparem como a história de conexão entre Miles e Gwenpromove a clássica expansão da mitologia do herói, o que aliás se espera dos segundos filmes de uma trilogia, sem tornar isso um inchaço ou uma barriga narrativa típica de uma continuação mal planejada.
É incrível como "Através do Aranhaverso" também amadureceu, indo além de uma história de herói para explorar temas mais universais como autodescoberta, responsabilidade e pertencimento - tudo está inserido dentro de um objetivo tão maior que, a cada camada, o filme ganha em profundidade, mas sem nunca esquecer da diversão. Aqui, inclusive, a trilha sonora, repleta de batidas pulsantes e músicas envolventes, contribui para essa atmosfera única do filme, dando a exata sensação de que a edição "MTV" quando bem usada, ainda pode trazer muita diversão para o cinema em suas diferentes formas - existe toda uma proposital poluição visual dos infinitos Aranhas, em suas cores e traços, mas depois sempre vem momentos de calmaria como se merecêssemos um certo descanso aos olhos e são nesses alívios que o roteiro reforça os laços relacionais que constroem de maneira tão empática a base dos princípios do herói.
Mesmo sabendo que o filme vai acabar abruptamente, já que um terceiro capitulo sempre foi anunciado como o final definitivo da jornada de Morales (o que eu duvido), "Homem-Aranha Através do Aranhaverso" entrega o que promete e em nenhum momento diminui as conquistas históricas do primeiro filme. A fusão entre inovação técnica, narrativa envolvente e uma abordagem corajosa do personagem, realmente cria uma experiência que ressoa na audiência independente do conhecimento prévio daquele universo. Ajuda ser um super fã? Claro, a trama está cheio de easter eggs, no entanto é o fato do filme ser um deleite para os sentidos que fica impossível não atestar que essa será uma das melhores animações que você assistirá na vida!
Vale muito o seu play!
Visualmente espetacular, "Homem-Aranha Através do Aranhaverso" coloca o gênero de longa-metragem de animação em outro patamar, conseguindo o que parecia impossível: ser ainda mais inovador conceitualmente que seu antecessor "Homem-Aranha no Aranhaverso". Sem a menor dúvida que o filme dirigido pelos premiados Kemp Powers e Justin K. Thompson, além do "novato" Joaquim Dos Santos (de Invencível"), mais uma vez, transcende as barreiras do que poderíamos chamar de convencional, com uma narrativa dinâmica que oferece uma experiência ainda mais imersiva, sem esquecer, claro, do princípio básico de nunca se afastar daquele mood de HQ. Obviamente que o que faz o filme se destacar são os elementos visuais, mas a narrativa cativante e a abordagem corajosa da mitologia do Homem-Aranha em seu multiverso também merece destaque - no entanto, e é preciso que se diga, são tantas referências, de tantas fases e formas do herói, que para quem não é tão ligado naquele contexto, pode soar bastante confuso ou no mínimo não tão interessante.
Miles Morales (Shameik Moore), o simpático jovem Homem-Aranha do Brooklyn, é transportado para uma aventura através do tempo e espaço ao lado de sua amiga Gwen Stacy (Hailee Steinfeld), onde acaba mudando os rumos de um dos universos quando salva um policial da morte. Ao ser confrontado sobre essa atitude impensada por Miguel O’Hara e Jessica Drew, as cabeças por trás da Sociedade Aranha que fiscaliza a integridade do multiverso, Morales fica sabendo que ele é o único Homem-Aranha que não deveria existir e agora, para salvar as pessoas que ele mais ama, ele precisa redefinir o significado de ser um super-herói enquanto luta para encontrar seu lugar no Aranhaverso sem tantos lutos! Confira o trailer:
"Homem-Aranha Através do Aranhaverso" é uma explosão de criatividade visual e narrativa que chega ser difícil até definir, dadas as inúmeras técnicas usadas para contar uma história que parece amarrar muito bem todo esse conceito maluco de multiverso. A proposta de mesclar diferentes estilos de animação, desde o traço mais tradicional da HQ até o visual mais moderno do vídeo-game, sem dúvida que cria uma experiência deslumbrante para a audiência. A direção de arte e as animações em si, são impecáveis, fazendo com que cada cena, cada plano, cada sequência, de fato, pareçam obras de arte em movimento - e o interessante é que isso está no DNA desde a criação do projeto, no entanto, diretores e roteiristas parecem não usar desse deslumbre como bengala para esconder uma trama fraca ou sem sentido. Reparem como a história de conexão entre Miles e Gwenpromove a clássica expansão da mitologia do herói, o que aliás se espera dos segundos filmes de uma trilogia, sem tornar isso um inchaço ou uma barriga narrativa típica de uma continuação mal planejada.
É incrível como "Através do Aranhaverso" também amadureceu, indo além de uma história de herói para explorar temas mais universais como autodescoberta, responsabilidade e pertencimento - tudo está inserido dentro de um objetivo tão maior que, a cada camada, o filme ganha em profundidade, mas sem nunca esquecer da diversão. Aqui, inclusive, a trilha sonora, repleta de batidas pulsantes e músicas envolventes, contribui para essa atmosfera única do filme, dando a exata sensação de que a edição "MTV" quando bem usada, ainda pode trazer muita diversão para o cinema em suas diferentes formas - existe toda uma proposital poluição visual dos infinitos Aranhas, em suas cores e traços, mas depois sempre vem momentos de calmaria como se merecêssemos um certo descanso aos olhos e são nesses alívios que o roteiro reforça os laços relacionais que constroem de maneira tão empática a base dos princípios do herói.
Mesmo sabendo que o filme vai acabar abruptamente, já que um terceiro capitulo sempre foi anunciado como o final definitivo da jornada de Morales (o que eu duvido), "Homem-Aranha Através do Aranhaverso" entrega o que promete e em nenhum momento diminui as conquistas históricas do primeiro filme. A fusão entre inovação técnica, narrativa envolvente e uma abordagem corajosa do personagem, realmente cria uma experiência que ressoa na audiência independente do conhecimento prévio daquele universo. Ajuda ser um super fã? Claro, a trama está cheio de easter eggs, no entanto é o fato do filme ser um deleite para os sentidos que fica impossível não atestar que essa será uma das melhores animações que você assistirá na vida!
Vale muito o seu play!
"Homem-Aranha no Aranhaverso" é realmente muito bacana. Todos os prêmios que recebeu na temporada, inclusive o Oscar de animação em 2019, foram justíssimos! O filme é muito divertido, cheio de referências, inteligente e muito despretensioso!!! Sério, é como "assistir" uma revista uma HQ!
Se eu tivesse que definir "Homem-Aranha no Aranhaverso" eu diria que é o melhor dos HQs, com a ousadia do video-game e com o que tem de mais criativo em técnicas de animação! Não sei, mas talvez seja o melhor reboot que eu já assisti, pois a maneira que os diretores encontraram para contar uma nova história sem esquecer tudo o que já foi feito, se apropriando dos erros e acertos do passado, tanto no cinema quanto nos quadrinhos, foi genial! Confira o trailer:
O filme basicamente conta a história de um novo homem-aranha, Miles Morales, um jovem negro e de descendência hispânica que mora no Brooklin em NY. Ao ser picado por uma aranha radioativa, ele passa por todas as dúvidas e inseguranças que seu antecessor Peter Parker viveu e que estamos cansados de saber. Porém isso fica ainda mais maluco quando o Rei do Crime usa de uma nova tecnologia para abrir uma espécie de portal entre dimensões para tentar trazer de volta sua família que morreu em um acidente. Da mesma forma que esse "portal" possibilita trazer alguém que já morreu de uma outra dimensão, ele também permite a interação entre os vários "Homens-aranhas" - mais uma referência a alguns universos criados somente para os HQs - desde um original Peter Parker, já mais velho, cansado e fora de forma até um porco que parece ter saído de um desenho "Looney Tunes".
Sim, parece non-sense demais, eu sei!!! E na verdade é, mas essa "viagem" dos roteiristas é tão surpreendente e original que passa a ser o diferencial do filme. Em determinados momentos é quase um sátira de tudo que já foi tentado nas inúmeras versões do herói. Você, fã, vai encontrar elementos de vários universos já criados para o Homem-Aranha e você, que quer apenas assistir uma boa animação, não se preocupe porque está tudo lá: uma boa história com envolvimento emocional e com muita aventura! Olha, foi um grande acerto da Sony - talvez o maior dos últimos tempos, pois o filme agradou todos os públicos, os números comprovam isso!!!
Sobre a animação em si, embora eu não seja um especialista, te garanto: cada quadro está mais lindo que o outro - parece pintado a mão, como um HQ mesmo. Inserções gráficas que, inteligentemente, nos remetem as origens das histórias em quadrinhos e sua transformação com o passar dos anos. São várias técnicas e referências personificadas no traço de cada um dos personagens - que se integram de uma forma tão orgânica com o cenário e com a história que você nem percebe. Sério, é lindo!!! Uma obra-prima!!!
"Homem-Aranha no Aranhaverso" é um marco!!! Abre o olho Pixar/Disney!!!
"Homem-Aranha no Aranhaverso" é realmente muito bacana. Todos os prêmios que recebeu na temporada, inclusive o Oscar de animação em 2019, foram justíssimos! O filme é muito divertido, cheio de referências, inteligente e muito despretensioso!!! Sério, é como "assistir" uma revista uma HQ!
Se eu tivesse que definir "Homem-Aranha no Aranhaverso" eu diria que é o melhor dos HQs, com a ousadia do video-game e com o que tem de mais criativo em técnicas de animação! Não sei, mas talvez seja o melhor reboot que eu já assisti, pois a maneira que os diretores encontraram para contar uma nova história sem esquecer tudo o que já foi feito, se apropriando dos erros e acertos do passado, tanto no cinema quanto nos quadrinhos, foi genial! Confira o trailer:
O filme basicamente conta a história de um novo homem-aranha, Miles Morales, um jovem negro e de descendência hispânica que mora no Brooklin em NY. Ao ser picado por uma aranha radioativa, ele passa por todas as dúvidas e inseguranças que seu antecessor Peter Parker viveu e que estamos cansados de saber. Porém isso fica ainda mais maluco quando o Rei do Crime usa de uma nova tecnologia para abrir uma espécie de portal entre dimensões para tentar trazer de volta sua família que morreu em um acidente. Da mesma forma que esse "portal" possibilita trazer alguém que já morreu de uma outra dimensão, ele também permite a interação entre os vários "Homens-aranhas" - mais uma referência a alguns universos criados somente para os HQs - desde um original Peter Parker, já mais velho, cansado e fora de forma até um porco que parece ter saído de um desenho "Looney Tunes".
Sim, parece non-sense demais, eu sei!!! E na verdade é, mas essa "viagem" dos roteiristas é tão surpreendente e original que passa a ser o diferencial do filme. Em determinados momentos é quase um sátira de tudo que já foi tentado nas inúmeras versões do herói. Você, fã, vai encontrar elementos de vários universos já criados para o Homem-Aranha e você, que quer apenas assistir uma boa animação, não se preocupe porque está tudo lá: uma boa história com envolvimento emocional e com muita aventura! Olha, foi um grande acerto da Sony - talvez o maior dos últimos tempos, pois o filme agradou todos os públicos, os números comprovam isso!!!
Sobre a animação em si, embora eu não seja um especialista, te garanto: cada quadro está mais lindo que o outro - parece pintado a mão, como um HQ mesmo. Inserções gráficas que, inteligentemente, nos remetem as origens das histórias em quadrinhos e sua transformação com o passar dos anos. São várias técnicas e referências personificadas no traço de cada um dos personagens - que se integram de uma forma tão orgânica com o cenário e com a história que você nem percebe. Sério, é lindo!!! Uma obra-prima!!!
"Homem-Aranha no Aranhaverso" é um marco!!! Abre o olho Pixar/Disney!!!
Certamente um dos maiores acertos da Netflix esse ano. "Klaus" é sua primeira animação original em parceria com o The SPA Studios - e olha, não deixa nada a desejar para nenhum outro Estúdio. Mesmo a animação sendo em 2D, com um conceito visual muito usado pela Disney, o filme soube equilibrar muito bem a arte dos traços com um roteiro redondinho. "Klaus" mostra a jornada de Jesper que, por ser um filho muito mimado e que não valoriza o trabalho, é transferido para cuidar de um negócio da família: um Correio na distante Smeerensburg, uma pequena cidade no Círculo Polar Ártico que vive em pé de guerra - baseado em uma tradição histórica de rivalidade entre os Krum (cabelos pretos) e os Ellingboe (cabelos ruivos). Sabendo que só poderia retornar ao conforto do lar após entregar 6.000 cartas, Jesper precisa usar a criatividade (e a ajuda do velho lenhador Klaus) para cumprir sua missão como carteiro e como ser humano - é aí que a Animação vai ganhando força, pois o roteiro usa de situações inusitadas dos dois personagens para contar como cada signo do natal foi criado. É muito interessante e criativo! Além de uma mensagem belíssima, o filme é dinâmico, bonito, inteligente e muito gostoso de assistir! Filme para a família, sem a menor dúvida! Imperdível!
Atual ao discutir a polarização que toma conta do mundo, "Klaus" chega para desconstruir uma expectativa pessimista em relação ao mundo e ao ser humano, através do olhar mais sincero que pode existir: o da criança. Cheio de alegorias, ao melhor estilo "Divertidamente", a animação da Netflix usa da criatividade para construir a jornada de auto-conhecimento de Jesper, mesmo que fantasiada de punição. É bacana que cada detalhe do filme nos faz refletir sobre a forma como encaramos a vida, usando de normas pré-estabelecidas que, na verdade, podem perder o seu significado a partir do momento em que mudamos a maneira como encaramos esses fatos, ou como vamos tomando consciência da necessidade de transformação para vivermos melhor (e em paz)! É claro que o "espírito de natal" cai como uma luva nesse cenário e o diretor Sergio Pablos, que já havia criado a história do "Meu Malvado Favorito", explora perfeitamente cada signo, cada mensagem, cada ideal do natal; como entretenimento de primeira! Sensacional!
"Klaus" deixa de lado a tecnologia 3D de "Toy Story" e abusa das texturas e da iluminação, usando uma técnica muito particular para construir os traços de personagens caricatos mas com muita alma! A transformação do cenário, as cores, o tom, tudo surge como uma pintura - é clara a referência do "O Estranho Mundo de Jack". Mesmo não sendo um musical, é impossível não sorrir (ou se emocionar) ao escutar a música Invisibleda sueca Zara Larsson. Eu diria que "Klaus" é um pacote completo, uma animação digna de indicação ao Oscar e, sem dúvida, uma das melhores produções do gênero no ano! Vale muito o seu play!
Certamente um dos maiores acertos da Netflix esse ano. "Klaus" é sua primeira animação original em parceria com o The SPA Studios - e olha, não deixa nada a desejar para nenhum outro Estúdio. Mesmo a animação sendo em 2D, com um conceito visual muito usado pela Disney, o filme soube equilibrar muito bem a arte dos traços com um roteiro redondinho. "Klaus" mostra a jornada de Jesper que, por ser um filho muito mimado e que não valoriza o trabalho, é transferido para cuidar de um negócio da família: um Correio na distante Smeerensburg, uma pequena cidade no Círculo Polar Ártico que vive em pé de guerra - baseado em uma tradição histórica de rivalidade entre os Krum (cabelos pretos) e os Ellingboe (cabelos ruivos). Sabendo que só poderia retornar ao conforto do lar após entregar 6.000 cartas, Jesper precisa usar a criatividade (e a ajuda do velho lenhador Klaus) para cumprir sua missão como carteiro e como ser humano - é aí que a Animação vai ganhando força, pois o roteiro usa de situações inusitadas dos dois personagens para contar como cada signo do natal foi criado. É muito interessante e criativo! Além de uma mensagem belíssima, o filme é dinâmico, bonito, inteligente e muito gostoso de assistir! Filme para a família, sem a menor dúvida! Imperdível!
Atual ao discutir a polarização que toma conta do mundo, "Klaus" chega para desconstruir uma expectativa pessimista em relação ao mundo e ao ser humano, através do olhar mais sincero que pode existir: o da criança. Cheio de alegorias, ao melhor estilo "Divertidamente", a animação da Netflix usa da criatividade para construir a jornada de auto-conhecimento de Jesper, mesmo que fantasiada de punição. É bacana que cada detalhe do filme nos faz refletir sobre a forma como encaramos a vida, usando de normas pré-estabelecidas que, na verdade, podem perder o seu significado a partir do momento em que mudamos a maneira como encaramos esses fatos, ou como vamos tomando consciência da necessidade de transformação para vivermos melhor (e em paz)! É claro que o "espírito de natal" cai como uma luva nesse cenário e o diretor Sergio Pablos, que já havia criado a história do "Meu Malvado Favorito", explora perfeitamente cada signo, cada mensagem, cada ideal do natal; como entretenimento de primeira! Sensacional!
"Klaus" deixa de lado a tecnologia 3D de "Toy Story" e abusa das texturas e da iluminação, usando uma técnica muito particular para construir os traços de personagens caricatos mas com muita alma! A transformação do cenário, as cores, o tom, tudo surge como uma pintura - é clara a referência do "O Estranho Mundo de Jack". Mesmo não sendo um musical, é impossível não sorrir (ou se emocionar) ao escutar a música Invisibleda sueca Zara Larsson. Eu diria que "Klaus" é um pacote completo, uma animação digna de indicação ao Oscar e, sem dúvida, uma das melhores produções do gênero no ano! Vale muito o seu play!
"Lightyear" é um ótimo entretenimento, divertido, dinâmico e tecnicamente impressionante, mas... parece não ter a "alma" da Pixar - pelo menos aquela que nos faz ficar sentados alguns segundos, refletindo ou retomando o ar, assim que os créditos começam a subir. Por outro lado, talvez seja o filme com mais cenas de ação que o Estúdio já produziu - e olha que estamos falando do mesmo universo de Toy Story.
"Lightyear" é uma aventura de ação com toques de ficção científica que apresenta a história de origem de Buzz Lightyear - o herói "real" que inspirou o brinquedo que ganhou fama em Toy Story (1995). O filme segue o lendário Patrulheiro Espacial em uma missão de reconhecimento em um planeta hostil e que, por uma avaliação errada, deixa ele e sua equipe presos e completamente abandonados a 4,2 milhões de anos-luz da Terra. Enquanto Buzz tenta encontrar uma forma de se redimir e voltar para casa através do espaço e do tempo, ele percebe que a cada tentativa que duram horas para ele, representam anos para quem fica no planeta. Para complicar ainda mais a situação, conhecemos Zurg, uma presença alienígena imponente com um exército de robôs implacáveis. Confira o trailer:
“Em 1995, Andy ganhou um brinquedo. O brinquedo era de seu filme favorito. Esse era o filme” - é assim que "Lightyear" nos é apresentado e imediatamente já entendemos exatamente onde o filme quer nos levar (ou pelo menos quais os laços emocionais ele quer estabelecer). Pela primeira vez, a franquia nos coloca na posição do personagemAndy para entender o que ele viveu e não, como de costume, nos provocar na criação de paralelos com nossa própria infância - não que isso não aconteça, mas a dinâmica frenética do filme não nos permite esse exercício (é nesse sentido que comento sobre a "alma" da Pixar). No roteiro não existe tempo para alívios emocionais, é conflito a todo momento. Porém, é inegável que ao terminar o filme, entendemos perfeitamente porquê Andy deixou de lado seu Woody para brincar com seu novo brinquedo, o patrulheiro espacial Buzz Lightyear.
O que eu quero dizer é que, como construção de um universo particular e mesmo depois da conclusão gloriosa de "Toy Story 4", "Lightyear" funciona muito bem como aquela peça que faltava em um enorme quebra-cabeça, porém a grande pergunta que fica é: precisávamos mesmo dessa peça? Muitos vão dizer que não, outros vão afirmar que esse prequel é essencial, mas aquela unanimidade que estamos acostumados a encontrar em cada lançamento de uma animação da Pixar, de fato, não vai existir.
Do ponto de vista técnico, o filme é excepcionalmente bem feito: as texturas são impressionantes e o uso marcante das sombras desperta sensações profundas como se estivéssemos assistindo um live-action. Em muitos momentos você vai colocar em dúvida que se trata de um animação mesmo - apenas para exemplificar, mesmo que pouco relevante para a história, reparem no take onde vemos as engrenagens da nave de "Lightyear" se liberarem para o lançamento. É impressionante a qualidade da animação!
A conclusão é a seguinte: se você estiver procurando por um filme que evoca a imaginação e a memória mais emotiva da mesma forma que Toy Story fez em quatro filmes, você ficará desapontado - "Lightyear" não é e nem se propõe a ser um filme inesquecível. Sua escolha narrativa é quase uma homenagem aos clássicos de ficção científica, com uma dinâmica muito envolvente e com o foco simplesmente na ação e no entretenimento.
Vale muito pela diversão!
"Lightyear" é um ótimo entretenimento, divertido, dinâmico e tecnicamente impressionante, mas... parece não ter a "alma" da Pixar - pelo menos aquela que nos faz ficar sentados alguns segundos, refletindo ou retomando o ar, assim que os créditos começam a subir. Por outro lado, talvez seja o filme com mais cenas de ação que o Estúdio já produziu - e olha que estamos falando do mesmo universo de Toy Story.
"Lightyear" é uma aventura de ação com toques de ficção científica que apresenta a história de origem de Buzz Lightyear - o herói "real" que inspirou o brinquedo que ganhou fama em Toy Story (1995). O filme segue o lendário Patrulheiro Espacial em uma missão de reconhecimento em um planeta hostil e que, por uma avaliação errada, deixa ele e sua equipe presos e completamente abandonados a 4,2 milhões de anos-luz da Terra. Enquanto Buzz tenta encontrar uma forma de se redimir e voltar para casa através do espaço e do tempo, ele percebe que a cada tentativa que duram horas para ele, representam anos para quem fica no planeta. Para complicar ainda mais a situação, conhecemos Zurg, uma presença alienígena imponente com um exército de robôs implacáveis. Confira o trailer:
“Em 1995, Andy ganhou um brinquedo. O brinquedo era de seu filme favorito. Esse era o filme” - é assim que "Lightyear" nos é apresentado e imediatamente já entendemos exatamente onde o filme quer nos levar (ou pelo menos quais os laços emocionais ele quer estabelecer). Pela primeira vez, a franquia nos coloca na posição do personagemAndy para entender o que ele viveu e não, como de costume, nos provocar na criação de paralelos com nossa própria infância - não que isso não aconteça, mas a dinâmica frenética do filme não nos permite esse exercício (é nesse sentido que comento sobre a "alma" da Pixar). No roteiro não existe tempo para alívios emocionais, é conflito a todo momento. Porém, é inegável que ao terminar o filme, entendemos perfeitamente porquê Andy deixou de lado seu Woody para brincar com seu novo brinquedo, o patrulheiro espacial Buzz Lightyear.
O que eu quero dizer é que, como construção de um universo particular e mesmo depois da conclusão gloriosa de "Toy Story 4", "Lightyear" funciona muito bem como aquela peça que faltava em um enorme quebra-cabeça, porém a grande pergunta que fica é: precisávamos mesmo dessa peça? Muitos vão dizer que não, outros vão afirmar que esse prequel é essencial, mas aquela unanimidade que estamos acostumados a encontrar em cada lançamento de uma animação da Pixar, de fato, não vai existir.
Do ponto de vista técnico, o filme é excepcionalmente bem feito: as texturas são impressionantes e o uso marcante das sombras desperta sensações profundas como se estivéssemos assistindo um live-action. Em muitos momentos você vai colocar em dúvida que se trata de um animação mesmo - apenas para exemplificar, mesmo que pouco relevante para a história, reparem no take onde vemos as engrenagens da nave de "Lightyear" se liberarem para o lançamento. É impressionante a qualidade da animação!
A conclusão é a seguinte: se você estiver procurando por um filme que evoca a imaginação e a memória mais emotiva da mesma forma que Toy Story fez em quatro filmes, você ficará desapontado - "Lightyear" não é e nem se propõe a ser um filme inesquecível. Sua escolha narrativa é quase uma homenagem aos clássicos de ficção científica, com uma dinâmica muito envolvente e com o foco simplesmente na ação e no entretenimento.
Vale muito pela diversão!
"Luca" é um graça! A animação da Pixar traz a essência de "Coco"com aquele toque narrativo de "A Pequena Sereia" - e talvez, só por essa definição já dá para se ter uma idéia de quão graciosa é a jornada do pequeno Luca e de seu amigo Alberto em um mundo cheio de descobertas e, principalmente, imaginação!
Veja, Luca (Jacob Tremblay) é um monstro-marinho que vive nos oceanos as responsabilidades colocadas por sua família: pastorear os peixes. Com uma rotina repetitiva, Luca começa a ter curiosidade pela vida da superfície, principalmente ao recolher alguns objetos humanos que caíram no mar. Sem o apoio da zelosa família, Luca anseia pela primeira transformação em humano e ao conhecer Alberto (Jack Dylan Grazer), menino com as mesmas habilidades de Luca, o caminho para a aventura finalmente parece possível. Em uma charmosa vila italiana, Giulia (Emma Berman) entra para o grupo, ensinando os garotos a experimentar novos sentimentos, como colaboração, senso de justiça e até ciúme. É Giulia que também lhes apresenta o "Triatlo de Portorosso", competição que consiste em nadar, comer massa e pedalar, onde o prêmio final possibilitaria Luca e Alberto de realizarem um grande sonho: comprar uma vespa e assim ter a liberdade para conhecer o mundo! Confira o trailer:
É impressionante como toda a construção da história se apoia em arquétipos que, certamente, fizeram parte da vida dos mais velhos - e que farão parte de uma fase muito importante da vida dos mais novos. O filme mostra com muita a sensibilidade a nostalgia da infância, com suas descobertas, emoções e surpresas de uma temporada de verão - nesse caso, inclusive, brilhantemente apropriada das mais belas paisagens do sul da Itália, com suas cores e sabores. Com o perfeito equilíbrio entre a inovação técnica e a tradição narrativa, a Pixar se aproxima da Disney como poucas vezes, entregando uma trama infinitamente mais simples do que "Soul" ou até de "Divertidamente" - e nem por isso menos genial. De fato, me parece que as crianças foram as maiores homenageadas.
"Luca" é para assistir sorrindo! É uma linda e emocionante história de amizade, com muita aventura e que se torna algo maior por mostrar importância de aceitar a diferença, de permitir se relacionar com o novo e de sonhar. A história tem uma forte identidade infantil, mas com os aprendizados que os adultos podem (e devem) nos dar. Eu diria até que "Luca" é um ensaio sobre a construção de caráter e um exemplo de narrativa autobiográfica que o diretor Enrico Casarosa nos presenteou com muita magia!
"Luca" chegou quietinho, mas vai se tornar inesquecível - pode ter certeza! Lindo para se aplaudir de pé!
"Luca" é um graça! A animação da Pixar traz a essência de "Coco"com aquele toque narrativo de "A Pequena Sereia" - e talvez, só por essa definição já dá para se ter uma idéia de quão graciosa é a jornada do pequeno Luca e de seu amigo Alberto em um mundo cheio de descobertas e, principalmente, imaginação!
Veja, Luca (Jacob Tremblay) é um monstro-marinho que vive nos oceanos as responsabilidades colocadas por sua família: pastorear os peixes. Com uma rotina repetitiva, Luca começa a ter curiosidade pela vida da superfície, principalmente ao recolher alguns objetos humanos que caíram no mar. Sem o apoio da zelosa família, Luca anseia pela primeira transformação em humano e ao conhecer Alberto (Jack Dylan Grazer), menino com as mesmas habilidades de Luca, o caminho para a aventura finalmente parece possível. Em uma charmosa vila italiana, Giulia (Emma Berman) entra para o grupo, ensinando os garotos a experimentar novos sentimentos, como colaboração, senso de justiça e até ciúme. É Giulia que também lhes apresenta o "Triatlo de Portorosso", competição que consiste em nadar, comer massa e pedalar, onde o prêmio final possibilitaria Luca e Alberto de realizarem um grande sonho: comprar uma vespa e assim ter a liberdade para conhecer o mundo! Confira o trailer:
É impressionante como toda a construção da história se apoia em arquétipos que, certamente, fizeram parte da vida dos mais velhos - e que farão parte de uma fase muito importante da vida dos mais novos. O filme mostra com muita a sensibilidade a nostalgia da infância, com suas descobertas, emoções e surpresas de uma temporada de verão - nesse caso, inclusive, brilhantemente apropriada das mais belas paisagens do sul da Itália, com suas cores e sabores. Com o perfeito equilíbrio entre a inovação técnica e a tradição narrativa, a Pixar se aproxima da Disney como poucas vezes, entregando uma trama infinitamente mais simples do que "Soul" ou até de "Divertidamente" - e nem por isso menos genial. De fato, me parece que as crianças foram as maiores homenageadas.
"Luca" é para assistir sorrindo! É uma linda e emocionante história de amizade, com muita aventura e que se torna algo maior por mostrar importância de aceitar a diferença, de permitir se relacionar com o novo e de sonhar. A história tem uma forte identidade infantil, mas com os aprendizados que os adultos podem (e devem) nos dar. Eu diria até que "Luca" é um ensaio sobre a construção de caráter e um exemplo de narrativa autobiográfica que o diretor Enrico Casarosa nos presenteou com muita magia!
"Luca" chegou quietinho, mas vai se tornar inesquecível - pode ter certeza! Lindo para se aplaudir de pé!
Prepare-se, você vai assistir "Luck" com um sorriso no rosto, mesmo quando a emoção tomar conta do seu coração! Bem na linha de "Divertida Mente", enorme sucesso de 2015 da Pixar, essa produção do Estúdio Skydance Animation tem o carisma necessário para discutir conceitos complexos e subjetivos através da simbologia e da criatividade. A linha tênue entre a "sorte" e o "azar" (e como esses dois elementos são tão importantes na nossa vida) é uma espécie de fio condutor para uma narrativa muito agradável e bem desenvolvida, que traz de volta John Lasseter ao mundo das animações que ele mesmo ajudou a colocar em outro patamar!
Sam Greenfield (Eva Noblezada) é a pessoa mais azarada do mundo, até que um belo dia ela encontra a desconhecida "Terra da Sorte" graças ao vacilo do rabugento gato preto, Bob (Simon Pegg). Como humanos não são permitidos nesse mundo fantástico, sua única chance é juntar-se às criaturas mágicas que lá vivem para tentar entender como a dinâmica de duas instituições milenares, a Sorte e o Azar, podem influenciar no nosso cotidiano. Confira o trailer:
É inegável que "Luck" possui inúmeras intenções louváveis dentro do seu texto, porém é preciso dizer que, embora parta de uma ideia original, o roteiro soa como uma readaptação clara de "Divertida Mente" - na produção da Pixar se discutia a complexidade e os efeitos da emoção no nosso desenvolvimento como ser humano a partir da semiótica, aqui o que temos é o mesmo conceito, porém com o foco na "sorte" e no "azar". As semelhanças, na minha opinião, mais ajudam do que atrapalha, já que nossa memória emotiva faz com que o envolvimento com a personagem e seus complexos sejam imediatos - o que nos permite mergulhar naquele mundo sem muita preocupação com o que vamos encontrar, afinal, já sabemos que, com Lasseter no comando, criatividade não faltaria. De fato as "sacadas" que simbolizam esse universo fantástico são excelentes.
Escrito por Kiel Murray (de "Raya e o Último Dragão") e dirigido por Peggy Holmes em seu primeiro grande projeto, os "ex-Disney" não decepcionam. "Luck" é tecnicamente muito bem executado e tem personagens bastante carismáticos - Sam, Bob e Gerry (Colin O'Donoghue) cumprem bem esse papel. Talvez o único elemento que ainda precise um pouco mais de cuidado e de trabalho de seus realizadores seja justamente o elo de conexão entre o mágico e o real - aqui temos muitos conceitos jogados no lindo cenário, mas com pouco impacto com o contexto dos personagens. Diferente de "Divertida Mente", algumas boas idéias ficam perdidas, são apenas citadas rapidamente e certamente teriam força para serem melhores aproveitadas - o mundo do "Azar", que vira nossa vida de ponta cabeça, é um desses exemplos.
"Luck" é um filme sem grandes pretensões, quase um teste de fogo da Skydance Animation que mostra muito mais potencial do que grandiosidade nesse debute. Lançado estrategicamente para o streaming, o filme é adorável, bem realizado e nos traz ótimas sensações durante toda a trama. É o tipo da animação que agrada os adultos e as crianças por razões diferentes, mas igualmente importantes e diria até, essenciais para um entretenimento de qualidade em família.
Vale muito o seu play!
Prepare-se, você vai assistir "Luck" com um sorriso no rosto, mesmo quando a emoção tomar conta do seu coração! Bem na linha de "Divertida Mente", enorme sucesso de 2015 da Pixar, essa produção do Estúdio Skydance Animation tem o carisma necessário para discutir conceitos complexos e subjetivos através da simbologia e da criatividade. A linha tênue entre a "sorte" e o "azar" (e como esses dois elementos são tão importantes na nossa vida) é uma espécie de fio condutor para uma narrativa muito agradável e bem desenvolvida, que traz de volta John Lasseter ao mundo das animações que ele mesmo ajudou a colocar em outro patamar!
Sam Greenfield (Eva Noblezada) é a pessoa mais azarada do mundo, até que um belo dia ela encontra a desconhecida "Terra da Sorte" graças ao vacilo do rabugento gato preto, Bob (Simon Pegg). Como humanos não são permitidos nesse mundo fantástico, sua única chance é juntar-se às criaturas mágicas que lá vivem para tentar entender como a dinâmica de duas instituições milenares, a Sorte e o Azar, podem influenciar no nosso cotidiano. Confira o trailer:
É inegável que "Luck" possui inúmeras intenções louváveis dentro do seu texto, porém é preciso dizer que, embora parta de uma ideia original, o roteiro soa como uma readaptação clara de "Divertida Mente" - na produção da Pixar se discutia a complexidade e os efeitos da emoção no nosso desenvolvimento como ser humano a partir da semiótica, aqui o que temos é o mesmo conceito, porém com o foco na "sorte" e no "azar". As semelhanças, na minha opinião, mais ajudam do que atrapalha, já que nossa memória emotiva faz com que o envolvimento com a personagem e seus complexos sejam imediatos - o que nos permite mergulhar naquele mundo sem muita preocupação com o que vamos encontrar, afinal, já sabemos que, com Lasseter no comando, criatividade não faltaria. De fato as "sacadas" que simbolizam esse universo fantástico são excelentes.
Escrito por Kiel Murray (de "Raya e o Último Dragão") e dirigido por Peggy Holmes em seu primeiro grande projeto, os "ex-Disney" não decepcionam. "Luck" é tecnicamente muito bem executado e tem personagens bastante carismáticos - Sam, Bob e Gerry (Colin O'Donoghue) cumprem bem esse papel. Talvez o único elemento que ainda precise um pouco mais de cuidado e de trabalho de seus realizadores seja justamente o elo de conexão entre o mágico e o real - aqui temos muitos conceitos jogados no lindo cenário, mas com pouco impacto com o contexto dos personagens. Diferente de "Divertida Mente", algumas boas idéias ficam perdidas, são apenas citadas rapidamente e certamente teriam força para serem melhores aproveitadas - o mundo do "Azar", que vira nossa vida de ponta cabeça, é um desses exemplos.
"Luck" é um filme sem grandes pretensões, quase um teste de fogo da Skydance Animation que mostra muito mais potencial do que grandiosidade nesse debute. Lançado estrategicamente para o streaming, o filme é adorável, bem realizado e nos traz ótimas sensações durante toda a trama. É o tipo da animação que agrada os adultos e as crianças por razões diferentes, mas igualmente importantes e diria até, essenciais para um entretenimento de qualidade em família.
Vale muito o seu play!
É inegável a qualidade da história, agora em "live action", de "O Rei Leão", mas o filme é muito mais que isso - a releitura da animação de 1994 tem o que de melhor podemos encontrar em CG atualmente. Falo isso com a maior tranquilidade: se você assistiu "Dumbo" e se impressionou com a qualidade da textura da pele do elefantinho e com a aplicação dos outros animais em um cenário selvagem na última cena do filme, já te aviso: aquilo não passou de uma versão "beta" do que você vai assistir em "O Rei Leão".
Tudo está fantástico visualmente: a água, o fogo, os pêlos, a luz, a composição é extremamente orgânica... porém é preciso admitir (por mais que possa nos doer): a experiência de assistir novamente uma história que foi tão marcante em um momento das nossas vidas, não é tão sensacional como imaginaria que pudesse ser (ou como foi em 1994) - mas vou explicar melhor para não parecer que não gostei do filme. O filme é muito bom, merece ser visto, é divertido da mesma forma, só que se você assistiu a animação, provavelmente não vai se emocionar pela história.... vai se emocionar pela nostalgia! Confira o trailer:
A história é exatamente a mesma: vemos a jornada do jovem Simba que, após o assassinato de seu pai, o rei Mufasa, precisa fugir já que seu tio Star o culpa pela morte. Com a ajuda dos seus dois novos amigos, Timon e Pumbba, Simba cresce e descobre um outro propósito de vida, mas que é interrompido no encontro com sua melhor amiga de infância Nala. Sabendo por ela que seu tio está destruindo o Reino, Simba resolve retornar para reivindicar sua posição de herdeiro do rei e trazer novamente paz para o Reino. Embora essa nova versão tenha 30 minutos a mais que a animação original, 90% das cenas são iguais. O fato é que na nova versão ganhamos com a tecnologia, com planos muito bem filmados, movimentos de câmera muito inventivos e composições quase perfeitas. Ganhamos com o visual, com a perfeição dos animais, com o lindo cenário que parece ter sido tirado de um documentário da National Geographic.
O filme é lindo e espero que a nova geração se relacione com a história da mesma forma com que fizemos em 94. Para nós, maiores de 30 anos, o novo "Rei Leão" é um convite à nostalgia, à memória emotiva, ao saudosismo... Para os mais novos, a oportunidade de experienciar uma bela narrativa, com animais incrivelmente "reais" e lindas mensagens que podem trazer algum sentimento e aprendizado. A verdade é que são outros tempos e seria até injusto querer comparar as duas obras. Para mim, foi divertido, mas faltou aquele "algo mais"; para quem está assistindo pela primeira vez, provavelmente, terá mais valor!
É inegável a qualidade da história, agora em "live action", de "O Rei Leão", mas o filme é muito mais que isso - a releitura da animação de 1994 tem o que de melhor podemos encontrar em CG atualmente. Falo isso com a maior tranquilidade: se você assistiu "Dumbo" e se impressionou com a qualidade da textura da pele do elefantinho e com a aplicação dos outros animais em um cenário selvagem na última cena do filme, já te aviso: aquilo não passou de uma versão "beta" do que você vai assistir em "O Rei Leão".
Tudo está fantástico visualmente: a água, o fogo, os pêlos, a luz, a composição é extremamente orgânica... porém é preciso admitir (por mais que possa nos doer): a experiência de assistir novamente uma história que foi tão marcante em um momento das nossas vidas, não é tão sensacional como imaginaria que pudesse ser (ou como foi em 1994) - mas vou explicar melhor para não parecer que não gostei do filme. O filme é muito bom, merece ser visto, é divertido da mesma forma, só que se você assistiu a animação, provavelmente não vai se emocionar pela história.... vai se emocionar pela nostalgia! Confira o trailer:
A história é exatamente a mesma: vemos a jornada do jovem Simba que, após o assassinato de seu pai, o rei Mufasa, precisa fugir já que seu tio Star o culpa pela morte. Com a ajuda dos seus dois novos amigos, Timon e Pumbba, Simba cresce e descobre um outro propósito de vida, mas que é interrompido no encontro com sua melhor amiga de infância Nala. Sabendo por ela que seu tio está destruindo o Reino, Simba resolve retornar para reivindicar sua posição de herdeiro do rei e trazer novamente paz para o Reino. Embora essa nova versão tenha 30 minutos a mais que a animação original, 90% das cenas são iguais. O fato é que na nova versão ganhamos com a tecnologia, com planos muito bem filmados, movimentos de câmera muito inventivos e composições quase perfeitas. Ganhamos com o visual, com a perfeição dos animais, com o lindo cenário que parece ter sido tirado de um documentário da National Geographic.
O filme é lindo e espero que a nova geração se relacione com a história da mesma forma com que fizemos em 94. Para nós, maiores de 30 anos, o novo "Rei Leão" é um convite à nostalgia, à memória emotiva, ao saudosismo... Para os mais novos, a oportunidade de experienciar uma bela narrativa, com animais incrivelmente "reais" e lindas mensagens que podem trazer algum sentimento e aprendizado. A verdade é que são outros tempos e seria até injusto querer comparar as duas obras. Para mim, foi divertido, mas faltou aquele "algo mais"; para quem está assistindo pela primeira vez, provavelmente, terá mais valor!
"Perdi Meu Corpo" (I Lost My Body) é, sem dúvida, a maior surpresa entre os cinco indicados à Melhor Animação do Oscar 2020. A animação francesa, distribuída pela Netflix, desbancou concorrentes de peso como "Frozen 2" e o "Rei Leão", mas chega com um enorme status de azarão na premiação - não pela falta de qualidade técnica ou narrativa, mas pelos próprios caminhos conceituais que o projeto escolheu - e põe conceitual nisso! Repare na premissa: o filme acompanha a jornada de uma "mão" em busca do corpo do qual ela fazia parte! Por mais bizarro que possa parecer, "Perdi Meu Corpo" aproveita essa jornada um tanto quanto peculiar para falar de escolhas, de destino e de auto-conhecimento, já que a história se passa em duas linhas temporais distintas: o presente, onde a protagonista é a "mão"; e o passado, onde o protagonista é Naoufel, um jovem, órfão, que se apaixona por Gabriella, uma garota que ele conheceu através do interfone de um prédio em Paris. É fácil deduzir que a "mão" é de Naoufel e que são as "memórias" que amarram a história, mas não sabemos se ele morreu, como ele perdeu a mão, o que aconteceu com seu pais, por que ele se tornou um garoto introspectivo, etc. "Perdi Meu Corpo" não é uma animação infantil (nem para a família como costumamos encontrar por aí), tem um tom independente bastante presente, quase experimental, e sua história é muito mais contemplativa do que dinâmica - e isso pode causar um certo estranhamento e quebrar um pouco a expectativa de quem assiste. Não é um filme que vai agradar a todos - ele é um drama com elementos bastante enraizados do cinema francês, só que em animação! Eu gostei, mas só assista se você se identificar com os elementos que comentei, se não você vai se decepcionar!
O visual da animação é incrível - parece um jogo de vídeo game, daqueles cults e muito bem desenvolvidos. A técnica da animação trás, ao mesmo tempo, o colorido e o monocromático, assim como o roteiro nos provoca a construir a história seguindo justamente esses signos! Os traços da animação 2D parecem sair das páginas de uma revista em quadrinhos, mesmo sendo um processo digital. A fotografia trabalha a iluminação e os enquadramentos lindamente, encaixando completamente com a sua estética - reparem nas cenas onde as memórias são mais antigas, preto e branco; como a sensação do preenchimento com a cor, dá lugar ao grafitado, quase que perfeitamente borrado, respeitando os limites do traço! Puxa, é lindo! A composição dos personagens tem uma forma mais caricaturada ao mesmo tempo em que nos perdemos no realismo de alguns movimentos - a "mão" é tão viva quanto qualquer outro personagem "desenhado" que está em cena!
É o primeiro longa-metragem do diretor Jérémy Clapin, um cara muito premiado com curtas de animação e é aí que eu acho que o filme dá uma vacilada - tenho a impressão que "Perdi Meu Corpo" poderia ser muito mais dinâmico, sem perder sua profundidade, se fosse um curta-metragem! O roteiro de Guillaume Laurant, um dos roteiristas do incrível "O Fabuloso Destino de Amélie Poulain" é bom, trabalha bem os detalhes emocionais dos personagens (inclusive da "mão"), mas parece que não move muito a história para frente. São, basicamente, duas histórias distintas que funcionam muito bem sozinhas, que se unem no final, mas que não entrega algo que justifique a expectativa que o próprio filme vai criando - não sei, me parece que faltou um desfecho que impactasse mais! Pessoalmente, a escolha do final me incomodou um pouco, mas entendo a razão, principalmente por se tratar de uma animação. Não quero me alongar muito para não sugerir algum "spoiler", mas reparem como a dramaticidade poderia ter sido maior tanto para "mão" quanto para Naoufel se a escolha fosse "a" outra - e se encaixaria perfeitamente com as memórias e toda aquela sensação de culpa que o protagonista sempre carregou.
"Perdi Meu Corpo" merece estar na disputa da categoria, mas seu aspecto técnico deve ter pesado bastante. Essa animação é diferente, tem uma identidade forte e uma arco principal bem particular - como foi o "Menino e o Mundo" em 2016, inclusive! Justamente por isso acredito que seu maior prêmio foi a indicação! O filme é bom e tem uma mistura de emoções bem equilibrada: do romance adolescente de Naoufel com Gabrielle, da angustia e tensão da jornada surreal e cheia de aventuras da "mão" até o drama mais sentimental e reflexivo da vida do protagonista! Pode ter certeza que vale o pouco mais de uma hora de filme!
"Perdi Meu Corpo" (I Lost My Body) é, sem dúvida, a maior surpresa entre os cinco indicados à Melhor Animação do Oscar 2020. A animação francesa, distribuída pela Netflix, desbancou concorrentes de peso como "Frozen 2" e o "Rei Leão", mas chega com um enorme status de azarão na premiação - não pela falta de qualidade técnica ou narrativa, mas pelos próprios caminhos conceituais que o projeto escolheu - e põe conceitual nisso! Repare na premissa: o filme acompanha a jornada de uma "mão" em busca do corpo do qual ela fazia parte! Por mais bizarro que possa parecer, "Perdi Meu Corpo" aproveita essa jornada um tanto quanto peculiar para falar de escolhas, de destino e de auto-conhecimento, já que a história se passa em duas linhas temporais distintas: o presente, onde a protagonista é a "mão"; e o passado, onde o protagonista é Naoufel, um jovem, órfão, que se apaixona por Gabriella, uma garota que ele conheceu através do interfone de um prédio em Paris. É fácil deduzir que a "mão" é de Naoufel e que são as "memórias" que amarram a história, mas não sabemos se ele morreu, como ele perdeu a mão, o que aconteceu com seu pais, por que ele se tornou um garoto introspectivo, etc. "Perdi Meu Corpo" não é uma animação infantil (nem para a família como costumamos encontrar por aí), tem um tom independente bastante presente, quase experimental, e sua história é muito mais contemplativa do que dinâmica - e isso pode causar um certo estranhamento e quebrar um pouco a expectativa de quem assiste. Não é um filme que vai agradar a todos - ele é um drama com elementos bastante enraizados do cinema francês, só que em animação! Eu gostei, mas só assista se você se identificar com os elementos que comentei, se não você vai se decepcionar!
O visual da animação é incrível - parece um jogo de vídeo game, daqueles cults e muito bem desenvolvidos. A técnica da animação trás, ao mesmo tempo, o colorido e o monocromático, assim como o roteiro nos provoca a construir a história seguindo justamente esses signos! Os traços da animação 2D parecem sair das páginas de uma revista em quadrinhos, mesmo sendo um processo digital. A fotografia trabalha a iluminação e os enquadramentos lindamente, encaixando completamente com a sua estética - reparem nas cenas onde as memórias são mais antigas, preto e branco; como a sensação do preenchimento com a cor, dá lugar ao grafitado, quase que perfeitamente borrado, respeitando os limites do traço! Puxa, é lindo! A composição dos personagens tem uma forma mais caricaturada ao mesmo tempo em que nos perdemos no realismo de alguns movimentos - a "mão" é tão viva quanto qualquer outro personagem "desenhado" que está em cena!
É o primeiro longa-metragem do diretor Jérémy Clapin, um cara muito premiado com curtas de animação e é aí que eu acho que o filme dá uma vacilada - tenho a impressão que "Perdi Meu Corpo" poderia ser muito mais dinâmico, sem perder sua profundidade, se fosse um curta-metragem! O roteiro de Guillaume Laurant, um dos roteiristas do incrível "O Fabuloso Destino de Amélie Poulain" é bom, trabalha bem os detalhes emocionais dos personagens (inclusive da "mão"), mas parece que não move muito a história para frente. São, basicamente, duas histórias distintas que funcionam muito bem sozinhas, que se unem no final, mas que não entrega algo que justifique a expectativa que o próprio filme vai criando - não sei, me parece que faltou um desfecho que impactasse mais! Pessoalmente, a escolha do final me incomodou um pouco, mas entendo a razão, principalmente por se tratar de uma animação. Não quero me alongar muito para não sugerir algum "spoiler", mas reparem como a dramaticidade poderia ter sido maior tanto para "mão" quanto para Naoufel se a escolha fosse "a" outra - e se encaixaria perfeitamente com as memórias e toda aquela sensação de culpa que o protagonista sempre carregou.
"Perdi Meu Corpo" merece estar na disputa da categoria, mas seu aspecto técnico deve ter pesado bastante. Essa animação é diferente, tem uma identidade forte e uma arco principal bem particular - como foi o "Menino e o Mundo" em 2016, inclusive! Justamente por isso acredito que seu maior prêmio foi a indicação! O filme é bom e tem uma mistura de emoções bem equilibrada: do romance adolescente de Naoufel com Gabrielle, da angustia e tensão da jornada surreal e cheia de aventuras da "mão" até o drama mais sentimental e reflexivo da vida do protagonista! Pode ter certeza que vale o pouco mais de uma hora de filme!
Essa versão de "Pinóquio" feita em animação stop-motion pelo diretor Guillermo del Toro é uma graça! Além de uma estética espetacular (com uma técnica que mistura o artesanal da animação com composições em CGI de cair o queixo), o roteiro ainda explora temas delicados e relevantes sobre relações familiares, politica, bullying, luto e, claro, sobre a importância de aceitar as diferenças. Lindo como uma poesia visual, "Pinocchio" (no original - que ainda leva o nome de Del Toro em seu título para deixar claro sua chancela), na minha opinião, é a melhor animação de 2022 e com potencial de ser bastante celebrada na temporada de premiações.
Situada nos anos 1930, na Itália facista da Segunda Guerra, acompanhamos a jornada de um pai solitário, Geppetto (David Bradley), e seu desejo em dar vida para um boneco de madeira na tentativa de suprir a saudade de seu filho recém falecido. Com a ajuda dos espíritos mágicos, Pinóquio (Gregory Mann) ganha vida, porém sua condição cria uma atmosfera de confusão por ser tão diferente das outras crianças e pelo seu desejo de ser amado pelo pai. Quando Pinóquio foge de casa buscando encontrar seu lugar no mundo, ele se depara com uma série de perigos em uma aventura que vai muito além do clássico de Carlo Collodi. Confira o trailer:
Ao lado de Mark Gustafson (de "The PJs" e "Claymation Easter"), Del Toro busca discutir a relação entre pai e filho deixando de lado aquele tom de "conto de fadas" (eternizada pela versão Disney de 1940) em prol de uma narrativa mais contemporânea no seu contexto, onde mesmo em um universo de fantasia, ainda constrói uma trama com o intuito de gerar identificação de uma forma mais palpável, transportando para Geppetto a responsabilidade de lidar com suas escolhas - seja em uma posição de super proteção afetiva ao tentar impedir que Pinóquio se conecte com o mundo e sofra por ser diferente, seja se resguardar para não perder a própria reputação diante dessa mesma "diferença".
Obviamente que é possível encontrar na adaptação, muito do que já conhecemos da obra clássica de Collodi - principalmente no que diz respeito ao arquétipo da inocência em sua forma mais pura e em que condições o meio é capaz de tornar essa inocência influenciável. É muito interessante como Del Toro e Gustafson vão criando camadas muito mais profundas nos personagens secundários que ajudam a moldar a personalidade do protagonista a partir das lições aprendidas por ele durante a jornada - essa dinâmica cria um caráter menos infantil ao roteiro, promovendo uma experiência única que, eu diria, impacta mais os pais do que os filhos. Não serão raros os momentos em que você vai se pegar refletindo sobre a maneira como você se relaciona com seu filho e como isso poderia impactar em suas escolhas futuras.
Mesmo apresentado como um musical, "Pinóquio" é muito mais Pixar do que Disney, ou seja, o que vale é o que está sendo falado - as (poucas) performances musicais funcionam muito mais como uma ferramenta de gatilho emocional do que propriamente como uma estratégia narrativa que vai conduzir a trama até o seu final. Mesmo sem essa responsabilidade, as músicas são realmente lindas e acredite, a trilha sonora assinada por Alexandre Desplat, é só um dos vários elementos técnicos e artísticos que chegam como forte concorrente ao próximo Oscar - pode anotar!
Vale muito a pena!
Up-date: "Pinóquio" foi o grande vencedor do Oscar 2023 na categoria "Melhor Animação"!
Essa versão de "Pinóquio" feita em animação stop-motion pelo diretor Guillermo del Toro é uma graça! Além de uma estética espetacular (com uma técnica que mistura o artesanal da animação com composições em CGI de cair o queixo), o roteiro ainda explora temas delicados e relevantes sobre relações familiares, politica, bullying, luto e, claro, sobre a importância de aceitar as diferenças. Lindo como uma poesia visual, "Pinocchio" (no original - que ainda leva o nome de Del Toro em seu título para deixar claro sua chancela), na minha opinião, é a melhor animação de 2022 e com potencial de ser bastante celebrada na temporada de premiações.
Situada nos anos 1930, na Itália facista da Segunda Guerra, acompanhamos a jornada de um pai solitário, Geppetto (David Bradley), e seu desejo em dar vida para um boneco de madeira na tentativa de suprir a saudade de seu filho recém falecido. Com a ajuda dos espíritos mágicos, Pinóquio (Gregory Mann) ganha vida, porém sua condição cria uma atmosfera de confusão por ser tão diferente das outras crianças e pelo seu desejo de ser amado pelo pai. Quando Pinóquio foge de casa buscando encontrar seu lugar no mundo, ele se depara com uma série de perigos em uma aventura que vai muito além do clássico de Carlo Collodi. Confira o trailer:
Ao lado de Mark Gustafson (de "The PJs" e "Claymation Easter"), Del Toro busca discutir a relação entre pai e filho deixando de lado aquele tom de "conto de fadas" (eternizada pela versão Disney de 1940) em prol de uma narrativa mais contemporânea no seu contexto, onde mesmo em um universo de fantasia, ainda constrói uma trama com o intuito de gerar identificação de uma forma mais palpável, transportando para Geppetto a responsabilidade de lidar com suas escolhas - seja em uma posição de super proteção afetiva ao tentar impedir que Pinóquio se conecte com o mundo e sofra por ser diferente, seja se resguardar para não perder a própria reputação diante dessa mesma "diferença".
Obviamente que é possível encontrar na adaptação, muito do que já conhecemos da obra clássica de Collodi - principalmente no que diz respeito ao arquétipo da inocência em sua forma mais pura e em que condições o meio é capaz de tornar essa inocência influenciável. É muito interessante como Del Toro e Gustafson vão criando camadas muito mais profundas nos personagens secundários que ajudam a moldar a personalidade do protagonista a partir das lições aprendidas por ele durante a jornada - essa dinâmica cria um caráter menos infantil ao roteiro, promovendo uma experiência única que, eu diria, impacta mais os pais do que os filhos. Não serão raros os momentos em que você vai se pegar refletindo sobre a maneira como você se relaciona com seu filho e como isso poderia impactar em suas escolhas futuras.
Mesmo apresentado como um musical, "Pinóquio" é muito mais Pixar do que Disney, ou seja, o que vale é o que está sendo falado - as (poucas) performances musicais funcionam muito mais como uma ferramenta de gatilho emocional do que propriamente como uma estratégia narrativa que vai conduzir a trama até o seu final. Mesmo sem essa responsabilidade, as músicas são realmente lindas e acredite, a trilha sonora assinada por Alexandre Desplat, é só um dos vários elementos técnicos e artísticos que chegam como forte concorrente ao próximo Oscar - pode anotar!
Vale muito a pena!
Up-date: "Pinóquio" foi o grande vencedor do Oscar 2023 na categoria "Melhor Animação"!
“Red: Crescer É Uma Fera” é uma belíssima e divertida animação sobre crescimento e desafios da adolescência - bem ao "estilo Pixar" (como não poderia ser diferente, mas que se justifica por si só).
Na trama, Mei, uma adolescente de 13 anos que quando fica muito nervosa, agitada, emocionada ou estressada, se transforma em um panda vermelho gigante, e isso só resulta em mais problemas para a jovem. Confira o trailer (dublado):
Como o próprio trailer deixa muito claro, “Red: Crescer É Uma Fera” explora o amadurecimento e as inseguranças dessa fase tão particular da vida de uma garota que sempre foi reprimida pela mãe - e por isso está dividida entre ser a filha obediente ou se permitir ser seu novo "eu", que parece muito mais disposto a viver suas aventuras e emoções. Através dessa transformação incomum, a animação foi muito feliz ao usar de uma inteligente metáfora para discutir os desafios da adolescência e assim explorar o maior conflito interno da protagonista: viver uma vida dupla - já que fora de casa ela esbanja auto-confiança e dentro é como se vivesse em um casulo por medo do que sua mãe possa achar sobre seus gostos, desejos e vontades.
O roteiro além de abordar questões culturais, certamente fará os pais refletirem sobre algumas decisões em relação aos filhos, mas também garantirá aos pequeninos diversão, boas doses de fofura e muito humor genuíno. O público adulto, aliás, também vai se conectar com a história pelo elemento nostálgico, já que Mei usa um bichinho virtual, é apaixonada por uma boys band, os "4-Town" (que lembra bastante N’Sync e Backstreet Boys), além das revistas que logo remetem as famosas "Caprichos".
Dirigido por Domee Shi, que venceu o Oscar por Melhor Curta-Metragem de Animação por ”Bao”, o filme repete um pouco o conceito narrativo das relações entre mães e filhos, por isso percebe-se um certo cuidado nesse tratamento, já que a mãe não soa apenas como alguém autoritária, mas também alguém que ama sua filha e procura da maneira exagerada (como qualquer mãe) manter esse laço familiar tão forte.
O relacionamento "mãe e filha" facilmente vai conectar a audiência, pois o que vemos na tela é o que de fato acontece em muitas famílias - encontrar o equilíbrio perfeito entre uma mãe superprotetora e uma criança que também precisa de momentos de lazer, nem sempre é tarefa das mais fáceis. Sendo assim, como a maioria das animações da Pixar, na reta final a megalomania acaba tomando conta da narrativa e o foco mais certeiro dos primeiros atos, se dissolve em uma aventura mais genérica. Prejudica? Não, mas é um fato. Ainda assim, ”Red: Crescer é Uma Fera” finaliza com uma belíssima mensagem sobre amadurecimento e amor que vale a pena ser apreciada.
Escrito por Mark Hewes - uma parceria @indiqueipraver
“Red: Crescer É Uma Fera” é uma belíssima e divertida animação sobre crescimento e desafios da adolescência - bem ao "estilo Pixar" (como não poderia ser diferente, mas que se justifica por si só).
Na trama, Mei, uma adolescente de 13 anos que quando fica muito nervosa, agitada, emocionada ou estressada, se transforma em um panda vermelho gigante, e isso só resulta em mais problemas para a jovem. Confira o trailer (dublado):
Como o próprio trailer deixa muito claro, “Red: Crescer É Uma Fera” explora o amadurecimento e as inseguranças dessa fase tão particular da vida de uma garota que sempre foi reprimida pela mãe - e por isso está dividida entre ser a filha obediente ou se permitir ser seu novo "eu", que parece muito mais disposto a viver suas aventuras e emoções. Através dessa transformação incomum, a animação foi muito feliz ao usar de uma inteligente metáfora para discutir os desafios da adolescência e assim explorar o maior conflito interno da protagonista: viver uma vida dupla - já que fora de casa ela esbanja auto-confiança e dentro é como se vivesse em um casulo por medo do que sua mãe possa achar sobre seus gostos, desejos e vontades.
O roteiro além de abordar questões culturais, certamente fará os pais refletirem sobre algumas decisões em relação aos filhos, mas também garantirá aos pequeninos diversão, boas doses de fofura e muito humor genuíno. O público adulto, aliás, também vai se conectar com a história pelo elemento nostálgico, já que Mei usa um bichinho virtual, é apaixonada por uma boys band, os "4-Town" (que lembra bastante N’Sync e Backstreet Boys), além das revistas que logo remetem as famosas "Caprichos".
Dirigido por Domee Shi, que venceu o Oscar por Melhor Curta-Metragem de Animação por ”Bao”, o filme repete um pouco o conceito narrativo das relações entre mães e filhos, por isso percebe-se um certo cuidado nesse tratamento, já que a mãe não soa apenas como alguém autoritária, mas também alguém que ama sua filha e procura da maneira exagerada (como qualquer mãe) manter esse laço familiar tão forte.
O relacionamento "mãe e filha" facilmente vai conectar a audiência, pois o que vemos na tela é o que de fato acontece em muitas famílias - encontrar o equilíbrio perfeito entre uma mãe superprotetora e uma criança que também precisa de momentos de lazer, nem sempre é tarefa das mais fáceis. Sendo assim, como a maioria das animações da Pixar, na reta final a megalomania acaba tomando conta da narrativa e o foco mais certeiro dos primeiros atos, se dissolve em uma aventura mais genérica. Prejudica? Não, mas é um fato. Ainda assim, ”Red: Crescer é Uma Fera” finaliza com uma belíssima mensagem sobre amadurecimento e amor que vale a pena ser apreciada.
Escrito por Mark Hewes - uma parceria @indiqueipraver
"Soul" é mais uma daquelas animações da Pixar que temos vontade de agradecer assim que ela termina, só pela oportunidade de ter assistido algo tão bacana! A delicadeza como assuntos tão profundos são retratados e a criatividade para transformar cada um dos elementos narrativos em signos que nos ajudam refletir a todo momento, é de uma sabedoria impressionante, embora, e é preciso que se diga, o filme não tenha alcançado o brilhantismo e a originalidade de "Divertidamente" ou de "A Vida é uma Festa" - o que não tem problema algum na verdade. Tenho, inclusive, a impressão que mesmo assim, "Soul" pode ser considerado um dos melhores filmes de 2020, pelo roteiro inteligente e pela qualidade técnica - essa sim, impecável!
Insatisfeito com a sua vida como professor, o sonhador Joe Gardner (Jamie Foxx) tem certeza absoluta que nasceu para ser um astro da música - esse era sua missão! Porém, após inúmeras tentativas fracassadas, sua auto-confiança parece estar tão abalada quanto a enorme pressão que sofre da família para encontrar um trabalho "de verdade". Até que ele recebe a oportunidade de sua vida ao ser convidado para tocar em um show de uma famosa banda de jazz. Acontece que tudo muda quando o Gardner sofre um repentino acidente e morre. Já no mundo astral, ele precisa encontrar uma forma de retornar a Terra para cumprir sua missão e dar um propósito a sua existência e para isso ele vai contar com a ajuda de 22, uma alma que precisa reencarnar, mas que tem verdadeiro pavor de lidar com a possibilidade de voltar a viver.
"Soul" é perfeito tecnicamente! A construção de Nova York chega a impressionar - sério, em vários momentos, não dá para saber se estamos diante de um live-action ou de uma animação, tamanho é o realismo. Outro elemento que me impressionou diz respeito a mixagem: tanto o desenho de som quanto a trilha sonora são tão bem ajustados que eu diria que é justamente eles que criam a dinâmica narrativa que a história pede - as sequências de jazz são de cair o queixo tanto quanto os momentos de silêncio que se equilibram com as músicas mais etéreas e que nos levam até uma outra dimensão. É quase um experiência sensorial - reparem!
Olha, o filme é sensível, agradável, profundo e super reflexivo, além de muito simpático na composição de cada um dos seus personagens ao melhor "estilo Pixar" - aqui cabe o registro: Jamie Foxx e Tina Fey (22) estão afinadíssimos! "Soul", como o próprio nome sugere, vale muito a pena, pelo que vemos e pelo que sentimos!
"Soul" é mais uma daquelas animações da Pixar que temos vontade de agradecer assim que ela termina, só pela oportunidade de ter assistido algo tão bacana! A delicadeza como assuntos tão profundos são retratados e a criatividade para transformar cada um dos elementos narrativos em signos que nos ajudam refletir a todo momento, é de uma sabedoria impressionante, embora, e é preciso que se diga, o filme não tenha alcançado o brilhantismo e a originalidade de "Divertidamente" ou de "A Vida é uma Festa" - o que não tem problema algum na verdade. Tenho, inclusive, a impressão que mesmo assim, "Soul" pode ser considerado um dos melhores filmes de 2020, pelo roteiro inteligente e pela qualidade técnica - essa sim, impecável!
Insatisfeito com a sua vida como professor, o sonhador Joe Gardner (Jamie Foxx) tem certeza absoluta que nasceu para ser um astro da música - esse era sua missão! Porém, após inúmeras tentativas fracassadas, sua auto-confiança parece estar tão abalada quanto a enorme pressão que sofre da família para encontrar um trabalho "de verdade". Até que ele recebe a oportunidade de sua vida ao ser convidado para tocar em um show de uma famosa banda de jazz. Acontece que tudo muda quando o Gardner sofre um repentino acidente e morre. Já no mundo astral, ele precisa encontrar uma forma de retornar a Terra para cumprir sua missão e dar um propósito a sua existência e para isso ele vai contar com a ajuda de 22, uma alma que precisa reencarnar, mas que tem verdadeiro pavor de lidar com a possibilidade de voltar a viver.
"Soul" é perfeito tecnicamente! A construção de Nova York chega a impressionar - sério, em vários momentos, não dá para saber se estamos diante de um live-action ou de uma animação, tamanho é o realismo. Outro elemento que me impressionou diz respeito a mixagem: tanto o desenho de som quanto a trilha sonora são tão bem ajustados que eu diria que é justamente eles que criam a dinâmica narrativa que a história pede - as sequências de jazz são de cair o queixo tanto quanto os momentos de silêncio que se equilibram com as músicas mais etéreas e que nos levam até uma outra dimensão. É quase um experiência sensorial - reparem!
Olha, o filme é sensível, agradável, profundo e super reflexivo, além de muito simpático na composição de cada um dos seus personagens ao melhor "estilo Pixar" - aqui cabe o registro: Jamie Foxx e Tina Fey (22) estão afinadíssimos! "Soul", como o próprio nome sugere, vale muito a pena, pelo que vemos e pelo que sentimos!
Tem franquias que não deveriam ter um fim!
Fiz questão de começar o review dessa forma para deixar bem claro que "Toy Story" vai muito além dos 4 filmes que a Pixar (e agora Disney) produziu! "Toy Story" representa uma mudança de paradigmas na animação (desde 1995), claro, mas talvez seu maior valor esteja na maneira como cada uma das 4 histórias foram criadas, contadas e consumidas por toda uma geração que aprendeu que os "valores" estão inseridos desde as pequenas atitudes até as grandes conquistas... Que esses "valores" não são um "fim" e sim um caminho que vale muito a pena ser percorrido ao lado das pessoas (ou brinquedos) que amaramos na construção do nosso caráter!!!
"Toy Story 4" mais uma vez nos faz refletir sobre a importância dessas pequenas conquistas e o quanto ela pode representar no nosso desenvolvimento como ser humano! "Toy Story 4" apresenta Bonnie, uma simpática e adorável criança (e é incrível como nos entregamos à ela - nem parece que estamos falando de uma animação, dada a qualidade emocional que os animadores e roteiristas aplicaram na personagem) que está a caminho do seu primeiro dia na escola. Todo receio de enfrentar essa nova situação é jogada na nossa cara de uma maneira muito real: toda a relação com seus pais, a vontade de se apegar a algum brinquedo como necessidade de estar ao lado de algo conhecido e seguro nessa jornada de descobertas e até a apresentação da primeira professora e daquele novo mundo que vai acompanha-la por muito tempo durante a vida. Confira o trailer:
É muito bacana que já na primeira atividade na sala de aula, Bonnie cria o simpático e descompensado "Garfinho". Nessa atividade solitária de artesanato, Bonnie estabelece sua identificação com o novo personagem e é inacreditável como passamos a nos importar com eles. Woody que não quis deixar Bonnie ir sozinha para escola, chega a duvidar se aquela "colagem" poderia mesmo representar algo para ela e quando ele percebe que aquele garfo plástico também tem vida (e sentimento), mesmo não sendo um brinquedo, tudo muda! "Garfinho" representa tudo que foge do padrão, do "status quo", mas que aos olhos de uma criança, não importa, afinal as crianças não se preocupam com isso e sim com a magia de ter algo que represente algo verdadeiro para elas, mesmo que lúdico! A alegria da criança está na simplicidade e na inocência - "Slapt", tapa na cara!
A história mostra a jornada de Woody para provar que o "Garfinho" é realmente importante para Bonnie. Só que as coisas começam a sair do controle quando, em uma viagem, o "Garfinho" resolve fugir por acreditar que o melhor lugar para ele seria o lixo - afinal ele não é um brinquedo de verdade e foi de lá que ele saiu ("Slapt" de novo!). Entendendo a importância do novo "brinquedinho" de Bonnie, Woody enfrenta os mais diferentes desafios dentro de um "Antiquário" repleto de elementos "assustadores" para recuperar o bendito "Garfinho" antes mesmo que Bonnie se dê conta do seu desaparecimento definitivo. Mas "crianças perdem brinquedos a todo momento!" - essa frase é repetida várias vezes durante o filme, mas não justifica ou não conforta o sentimento de Woody perante aquela simpática criaturinha!!! Woody nunca deixa um brinquedo para trás, certo? É incrível como as metáforas são colocadas em todos os momentos durante o filme e isso, por si só, já credencia "Toy Story 4" como um dos grandes filmes do ano! Soma-se a isso uma animação de cair o queixo, principalmente nas cenas dentro do "Antiquário" cheio de teias de aranha e poeira; e das cenas noturnas do parque de diversão!!! A luz desfocada em segundo plano parece de verdade de tão perfeita que está. É realmente lindo!!!!
O fato é que a franquia "Toy Story" foi se reinventando (para nossa surpresa) e nos provocando para olhar o mundo de uma outra forma, sem vacilar um frame no que tem de mais importante, na sua essência: uma boa história, uma história com alma! "Toy Story 4" não foge disso, é uma aula de storyteling e de representatividade, mas sem levantar nenhuma bandeira, apenas tratando seu propósito com verdade e paixão!
Não deixe de assistir com seu filhos, sozinho, com a namorada... e prepare-se para enxugar aquela lágrima que vai teimar em cair! Vale muito a pena!!!!!
Up-date: "Toy Story 4" ganhou em uma categoria no Oscar 2020: Melhor Animação!
Tem franquias que não deveriam ter um fim!
Fiz questão de começar o review dessa forma para deixar bem claro que "Toy Story" vai muito além dos 4 filmes que a Pixar (e agora Disney) produziu! "Toy Story" representa uma mudança de paradigmas na animação (desde 1995), claro, mas talvez seu maior valor esteja na maneira como cada uma das 4 histórias foram criadas, contadas e consumidas por toda uma geração que aprendeu que os "valores" estão inseridos desde as pequenas atitudes até as grandes conquistas... Que esses "valores" não são um "fim" e sim um caminho que vale muito a pena ser percorrido ao lado das pessoas (ou brinquedos) que amaramos na construção do nosso caráter!!!
"Toy Story 4" mais uma vez nos faz refletir sobre a importância dessas pequenas conquistas e o quanto ela pode representar no nosso desenvolvimento como ser humano! "Toy Story 4" apresenta Bonnie, uma simpática e adorável criança (e é incrível como nos entregamos à ela - nem parece que estamos falando de uma animação, dada a qualidade emocional que os animadores e roteiristas aplicaram na personagem) que está a caminho do seu primeiro dia na escola. Todo receio de enfrentar essa nova situação é jogada na nossa cara de uma maneira muito real: toda a relação com seus pais, a vontade de se apegar a algum brinquedo como necessidade de estar ao lado de algo conhecido e seguro nessa jornada de descobertas e até a apresentação da primeira professora e daquele novo mundo que vai acompanha-la por muito tempo durante a vida. Confira o trailer:
É muito bacana que já na primeira atividade na sala de aula, Bonnie cria o simpático e descompensado "Garfinho". Nessa atividade solitária de artesanato, Bonnie estabelece sua identificação com o novo personagem e é inacreditável como passamos a nos importar com eles. Woody que não quis deixar Bonnie ir sozinha para escola, chega a duvidar se aquela "colagem" poderia mesmo representar algo para ela e quando ele percebe que aquele garfo plástico também tem vida (e sentimento), mesmo não sendo um brinquedo, tudo muda! "Garfinho" representa tudo que foge do padrão, do "status quo", mas que aos olhos de uma criança, não importa, afinal as crianças não se preocupam com isso e sim com a magia de ter algo que represente algo verdadeiro para elas, mesmo que lúdico! A alegria da criança está na simplicidade e na inocência - "Slapt", tapa na cara!
A história mostra a jornada de Woody para provar que o "Garfinho" é realmente importante para Bonnie. Só que as coisas começam a sair do controle quando, em uma viagem, o "Garfinho" resolve fugir por acreditar que o melhor lugar para ele seria o lixo - afinal ele não é um brinquedo de verdade e foi de lá que ele saiu ("Slapt" de novo!). Entendendo a importância do novo "brinquedinho" de Bonnie, Woody enfrenta os mais diferentes desafios dentro de um "Antiquário" repleto de elementos "assustadores" para recuperar o bendito "Garfinho" antes mesmo que Bonnie se dê conta do seu desaparecimento definitivo. Mas "crianças perdem brinquedos a todo momento!" - essa frase é repetida várias vezes durante o filme, mas não justifica ou não conforta o sentimento de Woody perante aquela simpática criaturinha!!! Woody nunca deixa um brinquedo para trás, certo? É incrível como as metáforas são colocadas em todos os momentos durante o filme e isso, por si só, já credencia "Toy Story 4" como um dos grandes filmes do ano! Soma-se a isso uma animação de cair o queixo, principalmente nas cenas dentro do "Antiquário" cheio de teias de aranha e poeira; e das cenas noturnas do parque de diversão!!! A luz desfocada em segundo plano parece de verdade de tão perfeita que está. É realmente lindo!!!!
O fato é que a franquia "Toy Story" foi se reinventando (para nossa surpresa) e nos provocando para olhar o mundo de uma outra forma, sem vacilar um frame no que tem de mais importante, na sua essência: uma boa história, uma história com alma! "Toy Story 4" não foge disso, é uma aula de storyteling e de representatividade, mas sem levantar nenhuma bandeira, apenas tratando seu propósito com verdade e paixão!
Não deixe de assistir com seu filhos, sozinho, com a namorada... e prepare-se para enxugar aquela lágrima que vai teimar em cair! Vale muito a pena!!!!!
Up-date: "Toy Story 4" ganhou em uma categoria no Oscar 2020: Melhor Animação!
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Apesar de a música ter sido banida há algumas gerações em sua família, Miguel (Anthony Gonzalez) sonha em se tornar um grande músico como seu ídolo, Ernesto de la Cruz (Benjamin Bratt). Desesperado para provar o seu talento, Miguel acaba sendo levado para o "Mundo dos Mortos" onde conhece um encantador trapaceiro chamado Hector (Gael García Bernal), e juntos eles partem em uma jornada extraordinária para descobrir a verdade por trás da história da família de Miguel.
De fato, o roteiro não é tão original ou criativo quanto "Divertidamente", mas certamente é uma das mensagens mais bonitas (e generosas) que um filme que Pixar já produziu - além de um visual incrivelmente lindo! Digno de Oscar! Vale dizer que "
"Coco" (título original) é daqueles filmes imperdíveis, para ver e rever quantas vezes nosso coração aguentar!
Up-date: "
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Apesar de a música ter sido banida há algumas gerações em sua família, Miguel (Anthony Gonzalez) sonha em se tornar um grande músico como seu ídolo, Ernesto de la Cruz (Benjamin Bratt). Desesperado para provar o seu talento, Miguel acaba sendo levado para o "Mundo dos Mortos" onde conhece um encantador trapaceiro chamado Hector (Gael García Bernal), e juntos eles partem em uma jornada extraordinária para descobrir a verdade por trás da história da família de Miguel.
De fato, o roteiro não é tão original ou criativo quanto "Divertidamente", mas certamente é uma das mensagens mais bonitas (e generosas) que um filme que Pixar já produziu - além de um visual incrivelmente lindo! Digno de Oscar! Vale dizer que "
"Coco" (título original) é daqueles filmes imperdíveis, para ver e rever quantas vezes nosso coração aguentar!
Up-date: "
Analisar "What If...?" sob o contexto pontual de uma série de animação que subverte o Universo da Marvel sem a menor preocupação de ser imparcial é um erro tão claro quanto imaginar que esse mesmo produto é uma espécie de alivio narrativo sem a pretensão de se conectar com tudo que foi construído até aqui. Se você está lendo esse review, você já deveria saber: a Marvel não entrega uma produção que não possa fazer parte do seu enorme quebra-cabeça - mesmo que isso gere criticas como: "What If…? termina como uma oportunidade perdida". Não meu caro critico, provavelmente você ainda não entendeu a diferença entre planejamento e criatividade!
"What If...?" parte de um conceito genial vindo das HQs: "E se..." a história de determinado personagem fosse outra, baseada em algumas decisões específicas de uma jornada, transformando certos momentos-chave em outros acontecimentos que mudam seu destino? Confira o trailer para ficar um pouco mais claro:
Tecnicamente os episódios de "What…If?" tem uma estética sensacional - muito próximo do princípio cinematográfico de que uma ação é o resultado de uma sobreposição de 24 desenhos por segundo. Ou seja, é como se estivéssemos lendo uma página com 24 quadros de uma HQ com cenários belíssimos, uma fotografia repleta de luzes e sombras e uma colorização que parece uma pintura. Em muitos momentos você terá a exata sensação de estar assistindo alguns dos filmes em live-action da Marvel, só que em animação 2D. Soma-se a isso um conceito narrativo poético embarcada no off do brilhante Jeffrey Wright, que me fez lembrar os bons tempos da primeira temporada de "Heroes" de 2006. É lindo!
Durante os episódios de "What If…?", a montagem cria uma dinâmica sem atropelos, que apresenta uma situação, um personagem e, imediatamente, a sua nova versão, para aí sim desenrolar a trama - é preciso dizer, porém, que muitos episódios deixam pontas abertas e nem todas são fechadas durante o episódio final que tem a clara intenção de conectar essa experiência ao MCU, servindo como uma espécie de prólogo, ambientando a audiência para as novas propostas narrativas que estão sendo criadas para a nova fase e fortalecendo o entendimento do que já foi feito, principalmente sobre o propósito de alguns personagens (mesmo sob o olhar de um novo contexto).
Eu diria que essa primeira temporada de "What…If?" tem um elemento nostálgico que coloca suas histórias além do entretenimento superficial - é como se cada um dos detalhes (e são muitos) funcionassem como um primeiro esboço de um novo universo cheio de possibilidades, mas igualmente divertido. Você não será o único a refletir sobre o potencial escondido atrás de personagens incríveis que podem ganhar muito com a liberdade criativa de mentes como A.C. Bradley e Matthew Chauncey (os roteiristas da série).
Se você gosta do gênero, sua diversão está garantida e, provavelmente, muito das criticas que a série recebeu nessa temporada se transformarão em um pedido de desculpas no futuro quando outras peças começarem a se encaixar.
Veremos!
Analisar "What If...?" sob o contexto pontual de uma série de animação que subverte o Universo da Marvel sem a menor preocupação de ser imparcial é um erro tão claro quanto imaginar que esse mesmo produto é uma espécie de alivio narrativo sem a pretensão de se conectar com tudo que foi construído até aqui. Se você está lendo esse review, você já deveria saber: a Marvel não entrega uma produção que não possa fazer parte do seu enorme quebra-cabeça - mesmo que isso gere criticas como: "What If…? termina como uma oportunidade perdida". Não meu caro critico, provavelmente você ainda não entendeu a diferença entre planejamento e criatividade!
"What If...?" parte de um conceito genial vindo das HQs: "E se..." a história de determinado personagem fosse outra, baseada em algumas decisões específicas de uma jornada, transformando certos momentos-chave em outros acontecimentos que mudam seu destino? Confira o trailer para ficar um pouco mais claro:
Tecnicamente os episódios de "What…If?" tem uma estética sensacional - muito próximo do princípio cinematográfico de que uma ação é o resultado de uma sobreposição de 24 desenhos por segundo. Ou seja, é como se estivéssemos lendo uma página com 24 quadros de uma HQ com cenários belíssimos, uma fotografia repleta de luzes e sombras e uma colorização que parece uma pintura. Em muitos momentos você terá a exata sensação de estar assistindo alguns dos filmes em live-action da Marvel, só que em animação 2D. Soma-se a isso um conceito narrativo poético embarcada no off do brilhante Jeffrey Wright, que me fez lembrar os bons tempos da primeira temporada de "Heroes" de 2006. É lindo!
Durante os episódios de "What If…?", a montagem cria uma dinâmica sem atropelos, que apresenta uma situação, um personagem e, imediatamente, a sua nova versão, para aí sim desenrolar a trama - é preciso dizer, porém, que muitos episódios deixam pontas abertas e nem todas são fechadas durante o episódio final que tem a clara intenção de conectar essa experiência ao MCU, servindo como uma espécie de prólogo, ambientando a audiência para as novas propostas narrativas que estão sendo criadas para a nova fase e fortalecendo o entendimento do que já foi feito, principalmente sobre o propósito de alguns personagens (mesmo sob o olhar de um novo contexto).
Eu diria que essa primeira temporada de "What…If?" tem um elemento nostálgico que coloca suas histórias além do entretenimento superficial - é como se cada um dos detalhes (e são muitos) funcionassem como um primeiro esboço de um novo universo cheio de possibilidades, mas igualmente divertido. Você não será o único a refletir sobre o potencial escondido atrás de personagens incríveis que podem ganhar muito com a liberdade criativa de mentes como A.C. Bradley e Matthew Chauncey (os roteiristas da série).
Se você gosta do gênero, sua diversão está garantida e, provavelmente, muito das criticas que a série recebeu nessa temporada se transformarão em um pedido de desculpas no futuro quando outras peças começarem a se encaixar.
Veremos!
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